Журналистика. Школа практической журналистики - СЕТИ РУ/ eng cety.ru
Как стать  журналистом. Как правильно писать  репортаж, интервью, рецензию, статью, очерк, отчет, заметку, пресс-релиз...
Тренинги,  мастер-классы, практика и работа в СМИ.  Мы боремся за красоту и чистоту русского  языка!
Подробности по тел. 8-915-483-99-60
e-mail:cetyru@yandex.ru

Весь мир - театр 

новые постановки, эксперименты, дебюты
 
главнаяновости учебы  /  творческая мастерская / преподаватели и мастер-классы / обучение отклики / диплом  /
тусовка / наши интервью / работы учеников / ученики / нас приглашают / зона отдыха / учебная газета


            "Он знать хотел всё от и до,

                Но не добрался он, не до...»


В Московском драматическом театре «АпАРТе» премьера – спектакль Андрея Любимова «ОТЦЫ & ДЕТИ» по роману И.С.Тургенева 

 «Боже мой! Что за роскошь Отцы и дети! - писал Чехов.- …хоть караул кричи. Это черт знает как сделано. Просто гениально». Чехову вторят иностранцы: Тургенев  «самый утончённый поэт, который когда-либо писал романы» (Дж.Голсуорси), его проза музыкальна, манера повествования далёка «как от англосаксонского морализаторства, так и от французской фривольности» (Д.Петерсон), а эмоции и чувства принадлежат сегодняшнему времени (В.Вулф). «Самая непрочитанная и непонятая книга»,  по мнению Дуни Смирновой. Вечная книга, наш Манифест непонимания.
Испытываемые на прочность перманентным переломом эпох, мы беспрестанно воспроизводим и одну из основных примет перелома: конфликт поколений, Отцов и Детей. 
Из гегелистов в нигилисты…путая право и лево, смешивая Запад и Восток, комсомол и рок-н-ролл…. из хиппи в яппи… из панков в хипстеры… движутся Дети. Бунт – культ Детства, Детей всех времен, мечтающих разрушить до основанья традиции Отцов. Расчистить место чтоб.
Почти каждый из нас, - считал Тургенев, - сбивается либо на Дон-Кихота, либо на Гамлета. Правда, в наше время Гамлетов стало гораздо более, чем Дон-Кихотов. Дон-Кихот энтузиаст, служитель идеи и потому обвеян ее сияньем. Гамлет весь живет для
самого себя, он эгоист; но верить в себя даже эгоист не может; верить можно
только в то, что вне нас и над нами. Дон-Кихоты находят - Гамлеты разрабатывают. Как бы так их соединить, думал он, чтоб создалось нечто пригодное для развития общества? И создал он Базарова – «идеал» для Писарева, а также «пасквиль на молодое поколение» (по мнению одних) и помесь Ноздрева с Чайльд-Гарольдом (по мнению других), микс высокого интеллекта, глубокой и страстной натуры, высокомерного цинизма, бескомпромиссного и беспардонного эго и непочтительности к любой власти. 
«Мне мечталась фигура сумрачная, дикая, большая, до половины выросшая из почвы, сильная, злобная, честная и все-таки обреченная на гибель, потому что она стоит в преддверии будущего», - так писал Тургенев о своем герое, убежденный, что Базаров - лицо трагическое.
В спектакле Андрея Любимова, очень современном, экспрессивном, ироничном, поставленном в жестком ритме психологического триллера, побуждающего к острому сопереживанию, Базаров - прямолинейный и мрачный панк, почти Сид Вишез из Sex Pistols. Самоуверенный и умный, обаятельный бука с дерзким хмурым шармом и задатками лидера-харизмата (достойная актерская работа Дениса Лапеги). Он и пистолет для дуэли, получив вызов на нее резиновой медицинской своей же перчаткой, выбирает ерничая – бормоча считалку «эники-беники», шутовски крестясь и плюя через плечо. Он ничтоже сумняшеся берет то, что видит и хочет в данный момент – целует Фенечку… Но серьезные «отношения»  склонен подпустить к себе лишь на расстояние корявого селфи. 
Его антагонист Павел Петрович (великолепен в этой роли актер Ленкома, народный артист РФ Иван Агапов!)– мягкий, уравновешенный, с безупречными манерами и проникновенным голосом, само достоинство. Он вышел из возраста перемен и усилий, утратив многое, но не аристократизм. И спорит, и наливает себе рюмку, и прижимает окровавленный платок к дуэльной ране, и добровольно отказывается от предмета душевной приязни –  нисколько не роняя элегантности образа мыслей и стиля поведения.
 Друг Базарова Аркадий  (Максим Михалев) – изящный и робкий бунтарь-неофит в хипстерских очках. Встретив отца после долгой разлуки, первым делом принаряжает его в белые кроссовки и бейсболку. Недолог его бунт, поверхностен, слетает с первым же дуновением чувств: в доме утонченной красавицы Одинцовой (Лилия Соловьева) он замирает перед белым ковром – и разувается (что Базарову и в голову не придет), и все мизансцены с объектами своей нерешительной страсти (сперва одним, затем другим) так и пробегает почтительно босиком.
Псевдопоследователь Базарова – Ситников в спектакле разрастается в целую «банду» модных, молодых, смазливых и развязных.

То ли панки, то ли чирлидеры, то ли стиляги – они с шумом выпрыгивают из-за кулис, волоча атрибуты науки и прогресса – банки с заспиртованными змеями и лабораторный скелет, громкими восторгами встречают своего «главаря» - Базарова, хором бойко и самоуверенно отвечают на вопросы Павла Петровича, скопом бросаются вслед за звездой местного бомонда Одинцовой, пожелавшей «пообщаться с тем, кто ни во что не верит», на ходу  горячо заверяя ее, что «тоже ни во что не верят».  Залихватским гимном их звучит песня про Александрийского лейб-гусара: «Пока я пьян, а пьян всегда я, Ничто меня не сокрушит, И никакая сила ада Моё блаженство не смутит». Они всегда готовы искупаться в блеске чужой славы, но тем страшнее и суровее выглядит сцена болезни Базарова, в которой «последователи» небрежно и зло швыряют его как сломанную куклу, уже отработавшую своё. 
Очень хорош Александр Иванков  в роли Николая Кирсанова - добродушного, деликатного, не восприимчивого ко злу даже в мыслях и потому способного безмятежно разрулить самую неловкую ситуацию. Якобы нигилистка Кукшина, прописанная в романе безнадежно и досадливо пустой и жалкой, в спектакле неожиданно вызывает симпатию: в исполнении заслуженной артистки РФ Галины Виноградовой это оригинально мыслящая сильная личность. Удивительна Фенечка (Полина Гончарова): ее лейтмотив «покорная-пугливая-знающая-свое-место» оказывается лишь прикрытием для твердого характера хозяйки положения вкупе со всепобеждающей женственностью.
В минималистской декорации по ходу спектакля меняются только ковры - так сказать, почва, основа:  зеленый в имении Кирсановых – цвет природы и роста, создающий умиротворенное настроение, ощущение благотворного спокойствия, красный на балу у губернатора - возбуждение, деструктивные замыслы, "to paint the town red" (предаваться веселью, устраивать шумную мужскую попойку), и, наконец,  белый в доме Одинцовой  – новое начало, стабильность жизни и память человечества об истине. 

В сценах с Одинцовой Базаров кажется то сгустком мрака, то почти прозрачным, призрачным, тенью -  в его гневе и дерзости, в нарочитом цинизме, возможно, скрыто лишь одно: страх перед неумолимо надвигающейся жизнью с ее всепоглощающим светом, потрясениями и утратами. Базаров, в сущности, духовный сын Павла Петровича, пережившего потрясения юности и укрывшегося в теплой мощи своих традиций и принципов. Драма юношеской влюбленности Павла Петровича в княгиню Р. рассказана в спектакле поразительным танцем совсем юных девочки и мальчика  в окружении зловещих фигур в багровых плащах и остроклювых черных масках.  Девочка умерла, мальчик выжил. Но Базаров, сын «мальчика, который выжил», обречен. Он оказывается только кумиром-заложником банды суррогатных «фанатов», способных лишь использовать его – и предать. И равнодушно выпить на его могиле свой суррогатный кофе из пластиковых стаканов. Он обречен, потому что  испугался любви, ее ответственности и ее страданий, отказался от «высшей идеи существования» (слова Достоевского), упустил свой шанс перехода – от отрицания к созиданию. Ибо «есть чувства, которые поднимают нас от земли» и «только ею, только любовью, держится и движется жизнь» (Тургенев).
В финале спектакля звучит провидческая песня Владимира Высоцкого о том, кто «недораспробовал вино и даже недопригубил»:
Кто-то высмотрел плод, что неспел,
Потрусили за ствол — он упал...
Вот вам песня о том, кто не спел,
И что голос имел — не узнал.
                Он знать хотел всё от и до,
                Но не добрался он, не до...
                        Ни до догадки, ни до дна,
                        Не докопался до глубин,
                        И ту, которая одна,
                        Недолюбил. 
А любовь – это как раз то, что нужно всем. И аристократам, и бунтарям, и ниспровергателям. Им – особенно. Чтобы, даже расчистив место не слишком удачно, все ж таки построить потом на нем что-нибудь путное. 
"Все минется, - сказал апостол, - одна любовь останется".

Маргарита Белая
 
 



Что посмотреть?

"Сахалинская жена "
 Веселый жизненный спектакль, блистательное исполнение, состоится 27 октября и 1 декабря 2013 года в 19.00 в ТЦ «На Страстном».
подробнее

Чемодан Агаты Кристи

Детективная история по пьесе Агаты Кристи «Назад к убийству» открыла театральный сезон 2012/2013 в Театре «АпАРТе». На сей раз зрителю позволили заглянуть в чужой загадочный чемодан...

А что в чемодане? Спектакль начинается необычно: с показа видеоряда о жизни самой Агаты Кристи. Вместе с камерной обстановкой зала это создает особый настрой на уютный просмотр «чисто английской истории» о преступлении среди узкого круга лиц, каждого из которых трудно заподозрить. Прежде всего, нужен повод, мотив. Собственно, мотив и преступник многим знатокам детективов Агаты Кристи известен, - зачем тогда копаться в прошлом, щекотать нервишки, упражняться в психоанализе? Жизнь показывает: читатель и зритель это любят. Они могут разгадывать ребусы бесконечно. Интрига, заданная писательницей и усиленная режиссером Андреем Любимовым, сохраняется до последних секунд спектакля. Конкретную развязку разглядеть непросто. Нужна исключительная проницательность. Есть над чем поломать голову, поупражняться в анализе… И как у всякого хорошего детектива, у этого существует второе дно.

Второе дно чемодана. Как известно, у Агаты Кристи всегда присутствует второй план взаимоотношений между героями, что чувствуется с первых же минут спектакля. Всё оказывается  не так очевидно, как кажется на первый взгляд. Можно ли, являясь другом, любить его жену? И даже предлагать замужество? Зачем прятать доказательство своей невиновности, если преступления не совершал? Никакой ясности, а сюжет продолжает развиваться и подкидывать новые подробности и  ощущения. Например, такое как…

Вкус чемодана. Спектакль оставляет ненавязчивый вкус приятности, как будто встретился с давним другом в каком-то памятном месте. Понятно, что памятным местом встречи с Агатой Кристи стал Театр «АпАРТе». А ненавязчивое приятное ощущение создали актеры: Лилия Соловьева, Иван Косичкин, Денис Лапега, Антонина Комиссарова, Александр Орловский, Андрей Любимов, Дмитрий Ефремов, Галина Виноградова, Кристина Лапега.

Можно даже сказать, что наряду с героями пьесы Главным Персонажем всего спектакля стала сама Агата Кристи, с ее тонкими психологическими ходами и неожиданными деталями, которые режиссер Андрей Любимов удачно перенес в наши дни. 

Так что сходите и загляните: а что же на  дне чемодана?

Светлана Бактаева, кор. СЕТИ.РУ
 



 

Необычное!

ЦДР
Герои голые, сцена тоже - а в целом, содержательно! 

Пер Гюнт снова в моде
Тролли и их принципы

Театр Шалом поставил спектакль по  пьесе Анатолия Трушкина "Веселое число 13". 
Спектакль жизнеутверждающий.  В нем много шуток, песен и танцев. Очень национальный!!! Подробнее 

Театр "Русская опера"
представляет  музыкальный спектакль "Ищите приму". 
В его основе - лучшие оперные партии. Музыкальный фрагмент Царица ночи.

 Владимиру Зельдину  96 лет!!! 
 
 

На кухне журнала «Афиша. Еда» препарируют истинные чувства

Механическая жизнь, механические чувства, механическое  все… 

Когда вы в последний раз чувствовали?.. чувствовали что-то, что тронуло вас, заставило задуматься глубоко о другом человеке, как о человеке, а не о фигуре, безмолвной и пластмассовой? Когда?..
Когда вы в последний раз говорили «люблю» или просто говорили о чём-то глубоком, настоящем? Когда?...

А когда вы в последний раз виделись с родителями?   …и когда виделись – чувствовали ли вы эту любовь – любовь к маме, к папе – настолько же остро и бесконечно, как это было в детстве.. или вы уже забыли, как это было и как важно, что есть – ещё есть эти самые близкие люди, которые любят нас и которых любим мы безусловно...

Но почему-то жизнь с течением времени делает нас механическими роботами-машинами, не способными чувствовать и проявлять любовь к самым близким.. 
Обо всём этом я задумалась сегодня на премьере  спектакля «Боги пали», поставленного режиссёром Виктором Рыжовым и двумя актрисами из Teatr.doc – Светланой Ивановой-Сергеевой и Ольгой Сухаревой. 

Действие происходит в помещении, совершенно неожиданном для зрителя – на редакционной кухне журнала «Афиша. Еда», где, как правило, угощают различными деликатесами и кулинарными изысками.  Нам же предложили пищу для ума и сердца. Больше для сердца… Не потому ли всего лишь 30-минутный хронометраж спектакля, затронул самые глубины каждого из присутствующих. 

В пьесе две актрисы и совсем нет декораций – действие происходит в абстрактном пространстве, главное – это диалоги, интонации, мимика, жесты, эмоции.. перед нами проходят две жизни – матери и дочери, мы видим их отношения, их чувства, их холодность и глубочайшее тепло и откровение.

Зритель настолько близок к происходящему, что не может оставаться в стороне и в какой-то момент погружается в происходящее.
Если вам надоело механическое существование и пластмассовая еда – то вам сюда, на кухню журнала «Афиша.Еда». Именно здесь сегодня в меню подают особенное блюдо, которое напомнит вам о том, что такое вкус жизни и как вкуснее её прожить.
 

Мария Барабанова, корреспондент СЕТИ.РУ
 


Театр играет в театр, а зрители - в актеров

Жизнь – это творческий задачник: условья пишутся тобой.
Поверишь, что неудачник – и тут же проиграешь бой!
By Vera Polozkova

Заходим в небольшой зал, перед нами два человека – он и она – беседуют о чём-то. Рассаживаемся. Через некоторое время мы затихаем. Он и Она, их разговор становится яснее, отчётливее. Теперь понятно – мы зрители, а они – «актёры». Почему в кавычках? Да потому что актёры они только по замыслу, а на самом деле, Он – Арман Бекенов, психотерапевт, она – Вера Полозкова – поэт и публицист. А мы?.. Мы – художники – кто слова, кто холста, а кто-то - просто жизни…
Темой встречи была критика – критика внешняя и внутренняя, оживляющая и губительная, отрезвляющая и … одним словом, критика, как она есть.
Вера и Армен пытались раскачать нас, заставить вспомнить свою личную историю. Почему-то меня память унесла в школьное детство, кого-то – в трудовые будни, а кого-то бросало от одного воспоминания к другому. И в ходе этой игры я вдруг жарко ощутила эту особенную энергию, эту настоящую человеческую энергию внутреннего космоса, который есть в каждом из нас. Ощутила космосы, которые дремали  в сидящих рядом незнакомых людях.
Где я была воскресным вечером? В театре?.. наверное, всё-таки да, но в театре жизни, где все мы – актёры, где все мы собрались на читку каждый своего сюжета. А что в итоге получилось?.. У каждого своя собственная история! Каждая уникальна. Главное – верить, верить в силу, которая есть внутри каждого человека-космоса и не отворачиваться от слов, сказанных кем-то в твой адрес. Прислушаться нужно и важно – ведь мы – единое целое в этом мире… То, что пустое – лопнет, как мыльный пузырь,  а настоящее, настоящая критика – пробудит, разожжёт новое пламя, которое направит нас к  новой,  самой главной цели.

Арман,  Вера, спасибо за наш спектакль!
«Общество анонимных художников» -  интерактивный проект Георга Жено
 Teatr.doc и театр им. Йозефа Бойса
Следующий спектакль – 5 апреля на сцене Teatr.doc

Мария Барабанова, кор. СЕТИ.РУ
 



 
 

Герои голые, сцена тоже - а в целом содержательно
 
 

ЦДР. АВТОР МАКСИМ КУРОЧКИН. СПЕКТАКЛЬ "КЛАСС БЕНТО БОНЧЕВА". РЕЖИССЕР МИХАИЛ УГАРОВ.
 

ХXII-й век СЦЕНЫ ИЗ БУДУЩЕГО: В ЭТОМ СПЕКТАКЛЕ ЛЮДИ ЗАБЫЛИ О ТОМ, ЧТО ТАКОЕ ЛЮБОВЬ И КАК ДЕЛАТЬ ДЕТЕЙ ЕСТЕСТВЕННЫМ СПОСОБОМ. ПЫТАЮТСЯ ВСПОМНИТЬ.

НА ПУТИ вспоминания ВОЗНИКАЕТ МНОГО НЕЛЕПОГО, ТРОГАТЕЛЬНОГО  И КОМИЧЕСКОГО.

Хороший режиссерский ход – спектакль начинается с кульминации. С шока. Совершенно голые молодые люди в передевалке обсуждают свои будничные дела, спортивные удачи...  Но бытовуху на размусоливают. Зрителя стремительно вводят в курс дела. Оказывается, мы в будущем и наши герои ведут серьезное расследование: а правда, что в прошлых веках между людьми существовала любовь, половое влечение? Люди зачем-то целовались… Наши герои уже давно забыли, что такое любовь между мужчиной и женщиной и размножаются исключительно ребебингом и другими искусственными способами.

Вторая кульминация – главный герой, аспирант Бенто Бончев пишет диссертацию и вдруг отказывается ее писать, он нигде не нашел подтверждения тому, что секс и любовь реально существовали. Герой  разочарован, не верит в россказни про влечение полов. 

Третья кульминация – двое красивых  молодых людей – главный герой и героиня - при полном НЮ  рассматривают друг друга и пытаются понять – в чем прелесть половых органов и как они призваны возбуждать. Как с их помощью можно было бы заниматься сексом. Смешно… Зал похохатывает… И в то же время грустно.  Потому что нет секса – нет любви – нет интриги…  Герои в отсутствии любви обречены на ровную пресную жизнь…

И потому конец спектакля печален и как бы не завершен. Любви не случилось. Интрига иссякла не начавшись. Будущее уныло, прагматично и скучно…. Я бы такого будущего лично себе не пожелала. 

И в то же время спектакль современен. Спектакль предупреждает: люди храните любовь! Соединяйтесь, живите  с удовольствием, проникайте друг в друга, пока это еще возможно.

Я не оговорилась: секс в спектакле  называют проникновением. На самом деле, в спектакле совершена попытка проникновения в будущее. Уважаемые,  не смейтесь и не кичитесь то, что показано на сцене вполне может стать нашей отдаленной реальностью. Хотя это и грустно.

Почему? Репродуктивная функция человека может умереть за ненадобностью в результате клонирования, ребебинга и проч. чудес медицины. Может, может!.. 

Молодые артисты играют органично, ярко, не смущаясь голых тел и голой сцены…

Хочется верить, что Бенто – актер Игорь Стам, как и его коллега Санди – актриса Александра Ребенок   будут замечены продюсерами и попадут в сериалы и на ТВ. На них приятно смотреть, и играют они воодушевленно. 

У спектакля два главных плюса: любопытный сюжет и неожиданное исполнение – оба плюса режиссером Михаилом Угаровым раскручены по максимуму. Есть и минусы – но о них говорить не хочется… они здесь не главное!!! 

Светлана Булашова, главный редактор СЕТИ.РУ

Видеоматериалы по спектаклю



 

«Миллионерша» в «Содружестве Актеров Таганки»

В театре «Содружество Актеров Таганки» творят не только маститые режиссеры. В прошлом сезоне талантливый актер театра Артем Тынкасов с успехом поставил спектакль «Чао!», быстро ставший самой кассовой постановкой «Содружества». А в январе 2010-го он порадовал зрителей комедией «Миллионерша» по мотивам пьесы Бернарда Шоу.

На «Миллионершу» сложно достать билет. Б. Шоу, пожалуй, один из самых смелых драматургов. Его юмор заточен главным образом на борьбу с чопорной пуританской моралью. Его разоблачения выглядят ярко, иронично, убедительно... Не многим современным постановщикам удается соответствовать замыслам гения. Посмотрим, что вышло на этот раз...

Действие разворачивается в английском обществе  первой половины ХХ века. Главная героиня – красивая и богатая наследница (М. Добржинская) – относится к людям по принципу «без денег никто и ничего из себя не представляет». Местный адвокат (Михаил Басов) готов цинично зарабатывать на прихотях своей клиентки. Так, при написании завещания он с улыбкой предлагает миллионерше яд. 

Любовник также пытается «паразитировать» на состоянии богатой леди. А муж не выдерживает свою беспринципную жену и находит утешение в «шалаше» нежной и романтичной возлюбленной. Той, которая способна получать наслаждение от пения птиц и завтрака на траве, а не только от мыслей о деньгах. Интрига завязывается на том, что миллионерша влюбляется в мужчину, чьи карманы пусты, а сердце открыто для помощи и сострадания. 

Жанр, обозначенный классиком как «пьеса-дискуссия» Артем Тынкасов смело форматирует в пьесу-скандал. На протяжении всего спектакля раздаются крики, бьется посуда и кто–то страдает. Впрочем, эти сцены выполнены довольно эффектно. Накал страстей в пьесе служит доказательством того, что со стяжательством, эгоизмом и пороками способны бороться только светлые чувства, заложенные в нас. И главное из них - Любовь.

Режиссерская работа А. Тынкасова максимально приближена к оригиналу пьесы Бернарда Шоу. Многие реплики настолько актуальны и выразительны, что придают спектаклю неожиданное звучание. Зритель видит не чопорных надутых англичан, а своих современников и российскую действительность.
Актеры играют ярко и выразительно. Особенно главная героиня.  Даже если все герои на сцене замолчат, то экспрессии М. Добржинской хватит,  чтобы зритель не только не потерял сюжетную нить, но при этом получил мощный эмоциональный заряд. У актрисы прекрасные внешние данные, и в спектакле немало сцен, где она имеет возможность их продемонстрировать.

Не менее талантливо сыграл свою роль и "адвокат дьявола" Михаил Басов, заслуженный артист России. Актер легко и динамично передал изящную иронию и неповторимую интонацию нечистого на руку героя, вызвав у публики трогательное умиление. 
 

Зритель на спектакль идет. Зритель голосует "За!". В  успехе спектакля видятся три составляющие:  талант Бернарда Шоу,  харизма режиссера и яркая талантливая игра труппы. Спектакль дает возможность увидеть, как на чаше жизненных весов распределились эгоизм, деньги и любовь. И заглянув в душу миллионерши, увидеть, что Любовь побеждает. 
 

Любовь Шишенина , кор СЕТИ РУ
 
 


Театральная мастерская  Георга Жено

ЧТО НЕМЦУ – ПОТЕХА, 

ТО РУССКОМУ – АБСУРД


  Немецкий театральный режиссер  Георг Жено решил опровергнуть истину:  Что русскому потеха, то немцу – смерть и… поселился в России, чтобы создать свой абсурд. Свой театр, непохожий ни на что! Театр, где пьеса  придумывается по ходу действия то артистами, то зрителями, где действие  шокирует и напрягает… Где нет сцены и нет декораций…
Поначалу хочется из этого театра бежать. Но очень скоро понимаешь, что там, где для Жено потеха, там русскому есть, над чем задуматься. Это и притягивает зрителей.

На  театральных  подмостках Москвы год назад появился необычный театр, названный именем художника Йозефа Бойса. Ему нет аналогов ни в Европе, ни в России. К тому же художественным руководителем этого проекта является слегка обрусевший немец Георг Жено. Впервые в Россию Георг попал, когда еще учился в специальной Вальдорфской школе. Тогда несколько раз по обмену он ездил Санкт-Петербург. Классическое и строгое творенье Петра он полюбил сразу. А вот российская столица заупрямилась. Проработав 1,5 года в одной из подмосковных школ учителем немецкого языка, он вернулся в Гамбург и поступил на режиссерский факультет. Но «безумная» Москва все-таки его зацепила. Поэтому пришлось обменять Гамбургское театральное училище на ГИТИС. А потом возникла идея создания проекта «Театр.doc», одновременно Петр Тодоровский пригласил в свой фильм «В созвездии быка»... И так уже 13 лет. Однако Георг не забывает и родной Гамбург, где в институте «Свободная школа искусств» он преподает перформанс – то, что является неотъемлемой частью современного театра. 

- Георг, так что такое по-вашему современный театр?
- Современный театр - это диалог зрителя со сценой, в котором происходит обмен эмоциями и переживаниями. 
Для театра им. Йозефа Бойса я сейчас пытаюсь создать свой круг артистов и режиссеров, который был бы по-своему читаем. Чтобы это был и не развлекательный и не музейный театр, а театр, который заставляет думать.

- Откуда возникла идея создания театра им. Йозефа Бойса?
- Прежде всего, я хочу создать театр для московской интеллигенции. Поэтому в нашей театральной  группе работают и издатели, и психологи, и журналисты, которые пытаются осмыслить, что этот город и страна с нами делают.
У нас есть узкий круг людей, который совместно пытается выстроить общую идейную линию. Ведь театр это не одинокая профессия - это работа коллектива. Поэтому мы часто встречаемся и обмениваемся мыслями. А я, как организатор, пытаюсь реализовать их практически. Без всех этих людей театра бы не было. Но каждый остается хозяином своего проекта.
Например, Филипп Григорьян, чей спектакль «Третья смена» номинирован на «Золотую Маску», художница Ира Курина, Евгений Григорьев, Нина Беленицкая  – все они яркие неординарные личности.

-  А кто ваш зритель?
- Прежде всего, это люди активного поиска, которые ищут себя в жизни, хотят себя выразить. Чем больше разных людей к нам приходит, тем лучше и интереснее.

- Как вы находите сюжеты для своих проектов и спектаклей?
- Дело не в том, как что-то выглядит, а в том, что чувствует зритель. Я собираю людей, когда мне есть что-то сказать. И это должно быть основано не только на идее, но и на эмоциях. Для этого ее надо максимально хорошо выразить. Это самый замечательный и сложный момент в работе, когда идет поиск формы. Для этого самому нужно быть открытым.

- Поговорим о поиске формы. Как это происходит?
- Например, у нас есть спектакль «Заполярная правда». Мы всё отрепетировали, продумали поведение зрительного зала и актеров. Неплохо все получилось. Но чего-то не хватало. Нужно было сделать так, чтобы действие и  эмоции были среди нас. Но как это сделать? Есть такие замечательные слова: «Зрителя нужно обратить в свидетеля». Мы нашли такую форму. И сейчас спектакль играется так, что его действие происходит как бы вокруг зрителя. И в финале он становится соучастником процесса. Это классический пример того, как рождается форма.

- Вы используете технику verbatim. Что это такое?
- Это когда драматург, артист или режиссер общается с людьми и записывает то, что  они говорят на диктофон. Из документального текста создают пьесу. При этом текст не меняют, оставляя его в чистом виде. Для артистов необходимо присутствовать при этом процессе, потому что не только важно, что говорят, но и как говорят. Сегодня драматургия отошла от реальности, но благодаря вербатим драма начала писаться на настоящем языке, на языке, на котором говорят. Язык - это же исток всего, самый богатый подарок, который у нас есть. Он формирует наше мировоззрение.

- В репертуаре театра помимо драматических спектаклей присутствуют интерактивные проекты. Что это за новшество? 
- Это прямое общение,  когда зритель является не только наблюдателем действия, но и активным его участником прямо на сцене. 
В начале января у нас стартовал детский интерактивный проект «Один день на другой планете». Мы его уже попробовали провести в Свободной школе в Жуковском, где я раньше преподавал немецкий язык. Цель проекта в том, чтобы ребенок создал свою идеальную планету. На вопрос, что тебе не нравиться на этой планете, один мальчик ответил: люди. На проекте присутствовали учителя и родители, которые признались что, в первый раз наблюдали, как их ребенок играет и фантазирует, мыслит. Эффект стал для меня неожиданным. Дети видят и отражают то, что неподвластно взрослому. В этом и есть смысл интерактивного спектакля.

- Как вы работаете над этими проектами?
- Как сказал Луи Амстронг: «Любая импровизация должна быть очень хорошо подготовлена». Мы очень много репетируем, экспериментируем, пробуем. Это сложнее чем обычный спектакль, который можно корректировать. Здесь спектакль каждый раз создается заново. Но у  нас есть тема и структура. На этом и выстраиваются отношения со зрителем.

- Вы согласны с тем, что в интерактивных проектах есть что-то и от психологических тренингов? 
- Это относится не ко всем проектам. Например,  у нас есть глубокий и серьезный спектакль «Демократия.doc». Он изначально основан на психологическом тренинге «Расстановки по Берту Хеллингеру».  А вот проект «Общество анонимных художников» более легкий и веселый. Здесь нет психологической подоплеки. Этот спектакль призыв к тому, чтобы раскрыться, почувствовать свой потенциал, свои возможности. Сам ведущий этого проекта - Михаил Калужский, сначала просто участвовал как зритель в «Демократии.doc», а потом понял, что он может что-то еще. Каждый человек художник, но мы это забываем. У всех есть тайные мечты что-то еще сделать, которые мы себе почему-то не позволяем. 

- А если зритель не идет на общение?
- У нас такого не бывает. Конечно, бывают спектакли лучше или хуже. Это естественно. Но мы никого не принуждаем. Для того чтобы зритель выходил на сцену по своему желанию, самому нужно гореть. Есть такая система, я называю ее «стоя за кухней». Когда люди в дружеской атмосфере начинают рассказывать о себе, делятся мыслями и эмоциями. Это моторика нашего спектакля. Здесь все должно быть построено на искренности. В обычной жизни мы стараемся скрыть свои недостатки и слабости, а на этом проекте забываешь обо всем. И получается так, что этот проект «не грузит», а освобождает эмоционально.

- Как вы понимаете, удался спектакль или нет?
- Выпуск спектакля - сложная эмоциональная составляющая. Когда выпускаешь спектакль, радость приходит постепенно. Потому что сначала видишь то, что не удалость. Это для меня важно. 
В одном из моих спектаклей не удался образ, но всем нравиться. Однако это не то, что я хотел сказать. И изменить ничего не получилось. Не знаю, почему так произошло. Но сейчас вижу, что этот спектакль сделан хорошо.

- Вы позиционируете свой театр как бедный. Почему?
- Бедность – главный творческий потенциал. Самое опасное, когда в жизни есть много чего и ты не знаешь, что с этим делать. А когда практически ничего нет, и ты должен что-то создать, бороться за каждый миллиметр, то гораздо глубже и быстрее продумаешь, как нужно действовать. 

- Для своих спектаклей вы выбираете необычные площадки, например бывшие промзоны. Какой у вас принцип выбора сцены?
- Для российского зрителя театр – это дом. Дом, с которым люди себя ассоциируют и где удобно себя чувствуют. Один театральный критик сказал, что театр должен быть хорошей гостиницей. Я так не считаю. Здесь важно внутреннее отношение. Чтобы в жизни ни случилось, какие проблемы ни возникали, должно быть место, где есть люди которые мыслят также как я. Это важно. 
То что, касается выбора площадки, то следующем году у нас будет свое помещение.

- Каким вы представляете театр им. Йозефа Бойса через 5 лет?
- Это театр, который есть сейчас. Это как поле, в котором мы находимся в данный момент и где нам хорошо.  Я не думал вечно делать один и тот же проект. Может быть, через 3 года мы почувствуем что-то другое или команда театра измениться. Главное – ни на чем не зацикливаться. В любой момент все может измениться. 

Беседу вела Алина Бучинская, кор. СЕТИ РУ


Мечту вернуть, измену наказать!

 Центра Драматургии и Режиссуры

«Наташина мечта» – странный, абсурдный, но притягательный вариант сказки, которая не заканчивается хэппи-эндом.

Этот необычный спектакль поставлен Георгом Жено по мотивам пьесы Ярославы Пулинович – талантливой ученицы знаменитого уральского драматурга Николая Коляды.  Именно этой постановкой открылся новый камерный зал «Сцены на Беговой» Центра Драматургии и Режиссуры.
Спектакль начинается неожиданно. Поднявшись по лестнице в зрительный зал, каждый зритель недоумевает, туда ли он попал. Поскольку вместо сцены – только окно. И вдруг, каждый понимает, что спектакль уже начался, потому что одна из посетительниц начинает о чем-то взволнованно рассказывать. 
Главная героиня Наташа (яркий убедительный дебют юной Анастасии Прониной)-девочка из детдома. Там, где она живет, у всех все общее. А хочется быть единственной, уникальной, такой, чтобы симпатичный парень сказал: «Наташа, ты самая клевая девчонка на Земле! Выходи за меня замуж!» Пределом мечтаний юной девушки, у которой никогда не было семьи, становится желание собственного семейного гнездышка, заботы, любви и , конечно, праздника - «чтоб с фатой и шоколадными конфетами»…
Поиск заботы и любви – понятное желание детдомовского ребенка, который стесняется своего статуса. Наташа с нежностью вспоминает свою пьяницу-мать, потому что горячо любит ее. И так же отчаянно горячо она хочет быть любимой для того, кого сможет называть «своим».

Страстно и наивно Наташа делится сокровенными переживаниями со зрителями. А также со своими бесшабашными подругами,  случайными прохожими, равнодушными врачами и даже бездомными собаками. Всеми, кто может ее услышать. Но слышно ли ее в мире, где измена остается безнаказанной, а за искреннее стремление любить осуждают?

Наташа ищет правду, не желая мириться с предательством, наглостью, неравенством. Ее отчаянный монолог, разрывающий зал эмоцией обиды и непроходящей боли, будоражит слух, сердце, чувства… Ее месть новоявленной подруге любимого человека – лишь торжество справедливости, а не акт организованного избиения. С чего вдруг она должна отдавать свою любовь, если нашла ее первой, если сделала ее «своею»?

Наташа искренне не понимает своей вины перед судом. «Разве это честно отбирать у человека Мечту, если он любит?» - страстно взывает Наташа к зрителям – присяжным. Кто ответит Наташе  на эти вопросы? И восторжествует ли справедливость? 

Наташу делает несвободной не только государство, в котором она живет. Но, прежде всего, она сама. Отдав свое сердце любимому человеку, она попадает в плен. Но даже став заложником собственных чувств, Наташа непримиримо продолжает бороться…
Удивительная композиция спектакля, яркая целостная игра главной героини и постоянный контакт со зрителем делают эту смелую юную исповедь особенно откровенной, искренней, жизнеутверждающей.

Любовь Шишенина, кор. СЕТИ РУ 



 

Актуальная рецензия

Что скрывается под «ПОЛОВЫМ ПОКРЫТИЕМ» 

Центра Драматургии и Режиссуры?


Шокирующая сага о добре и зле  нашла свое воплощение в новой пьесе братьев Пресняковых. Поставленный в режиссуре Ольги Субботиной, спектакль «Половое покрытие» собрал полный зал зрителей  на одной из площадок Центра Драматургии и Режиссуры - сцене музея В.С. Высоцкого.

Отсутствие декораций и контраст черно-белых костюмов, вероятно, должны свидетельствовать о том, что другие художественные средства для изображения извечного конфликта  режиссеру-постановщику не требуются. Так ли это?
Двое студентов Коля (Артем Смола  - талантливая вдумчивая игра) и Андрей (Сергей Мухин - убедительный разноплановый актер), делая ремонт в съемной квартире, под полом обнаруживают труп. Не зная, что с ним делать, герои запускают этим череду мистических и абсурдных событий, приводящих персонажей к совершенно неожиданному финалу.

Яркие наполненные динамикой сцены сменяют друга друга, держа зрителя в напряжении и даже недоумении. Сексуальные домогательства соседа-гея и белая горячка обколотого Игоря Игоревича (Владимир Скворцов) - хозяина квартиры. Бесстыдство женских плясок на свадьбе соседей  и измена невесты. Трупы гостей, порубивших друг друга в пьяной драке,  и труп, вдруг оказывающийся в зрительном зале. 

Всеобщее умопомешательство  - вот та «награда», которую получают герои за свою обиду, злость, безразличие. Каждый персонаж выдумывает своего «мертвеца», который мешает ему нормально  жить. И каждый живет в созданной им извращенной реальности. 
Случайно оказавшаяся рядом девушка-стюардесса обращается к Коле за поддержкой. Разворачивается бурный эмоциональный разговор. Но по сути это монолог, потому что люди слушают, но не слышат друг друга. И понимания нет не только в окружающем мире. Его не хватает и в душах героев. 

Появившийся в финале образ мальчика-ангела – символ надежды. У героев есть возможность «оживить себя», «расправиться с мертвым телом», а не прятать скелеты в своем сердце.
Но хватит ли на это силы? И как это сделать?
У «черной комедии» по традиции - плохой конец... Апокалипсис в миниатюре настигает каждую заблудшую душу под звуки многоголосного эха: "Спешите радоваться жизни…, учитесь радоваться ее обыденным дарам"… 

Только позитивное отношение к жизни, умение видеть в каждом дне уникальную возможность для новых открытий не оставляет шанса для трупов под «половым покрытием».

Любовь Шишенина, кор. СЕТИ РУ 


«Встать на ручник», 
и не сойти с ума...

В московском драматическом театре «АпАРТе» премьера: "Чужие здесь не ходят"
 

Смешно, но не радостно,  интересно, но хочется бежать прочь…
Спектакль поставлен по мотивам одноименной пьесы молодого уральского драматурга Владимира Зуева, одного из успешных учеников знаменитого Николая Коляды. Задает зрителю по форме простые, по сути  сложные вопросы: способны ли мы распоряжаться своей жизнью? Что мешает нам не зависеть от обстоятельств?

Режиссер-постановщик спектакля Андрей Любимов раскрывает эту  тему в гротесковой манере: его герои живут в "кубриках" среди нарисованных волн, иллюминаторов,  отгороженные друг от друга пестрыми  занавесками. Декорации, словно сошли с детского рисунка. Однако персонажи  находятся  не на подводной лодке, а прозябают в стенах убогого провинциального общежития, где у всех всё «общее». Свою «несвободу» они воспринимают по-разному. 

Главный герой, бывший моряк-подводник Андрюха (Михаил Пярн) намеренно ломает дверной замок. У него две задачи: не пустить в дом новоявленного ухажера Нины, претендующего на её  жилплощадь,
и  сосватать старую деву Нину за своего соседа. Измотанному отсутствием командного мостика, Андрюхе непреодолимо хочется стать капитаном - хозяином положения и «своего куска моря». Ведь в его жизни, кроме моря (службы в армии), по сути, ничего лучшего  не было. Душа простора просит… Однако жажда простора  разбивается об убогость быта
и команды суровой жены Зои  ( Елена Старостина - яркая игра).

Судьба засидевшейся в девках Нины (Анастасия Зыкова), жалкой и неуверенной в себе меланхолички, заждавшейся «принца», поднимает другой больной вопрос в жизни современного общества. Забитая стереотипами окружения: «уже пора замуж», девушка на выданье  хочет вырваться из стереотипа.  Хочет иметь  свободу выбора, чтобы окружали её: «Академики!.. Аспиранты!.. Аспиранты!.. Академики!"  Но жизнь  посылает ей  торговца с китайского рынка.

Случайным свидетелем откровений Нины становится любовная парочка (Денис Лапега  и Полина Кондратьева), укрывшаяся на ночь в комнате уехавшего друга. Обнаружив себя запертыми на сутки, они тоже оказываются несвободными. И тоже мечтают о своем большом счастье…

В этом замкнутом пространстве все хотят простора, все мечтают вырваться из опостылевших стен. Однако  желания разбиваются о стену возможного. Как это часто  бывает, высокие желания простых ребят заканчиваются приземленным  застольем. Пьянка сменяется дракой – мордобитем, вырыванием волос, выбиванием зубов… Эта сцена в спектакле режиссеру и актерам особенно удалась – она сделана в виде замедленной съемки. А в целом, прочитывается зрителем, как крик человеческой души, удушенной  в убогом мире…

Финал. Андрюха проламывает дверь. Все свободны… Но свободны ли? Куда идти? Как удержаться на плаву? 

Открытая в финале дверь, на самом деле, закрыта. И не только для «чужих».


Посмотреть сцены из спектакля можно на сайте театра  АпАРТе

Любовь Шишенина, кор. СЕТИ РУ


Рискни вызвать гномика…
Новая драма на театральной сцене и в жизни

В рамках Russian Case Всероссийского театрального фестиваля «Золотая маска» в театре имени Йозефа Бойса прошёл спектакль «Третья смена» по одноимённой пьесе русскоязычного драматурга из Белоруссии Павла Пряжко. Филипп Григорьян, режиссёр, представил зрителям необычное направление – «новая драма». Так что же нового в этой драме?

Полный зал и негде пристроиться: зрители сидят в проходах, на сцене, на лестнице на мягких больших подушках, стоят на лавочках и столах у выхода – так приходится смотреть спектакль. Но, как говорится, в тесноте да не в обиде. Такая обстановка: много людей в маленьком зале, теснящиеся как шпроты в банке - добавляют уюта, домашняя обстановка настраивает на нужный лад – спокойствие, умиротворённость, ностальгия по детству.

Поначалу сюжет спектакля примитивен: дети проводят время в летнем лагере (отсюда и название пьесы – «Третья смена» ), отдыхают, развлекаются, пробуют курить, не спят по ночам, дерутся между собой, отчитываются перед вожатыми, бегают от нянечки, следящей за порядком, - в общем, радуются беззаботной поре. Всё это смотрится легко и смешно. Дети прикалываются друг над другом, бегают по сцене как клоуны в цирке, а один актёр замотался в простыню, залез на шкаф и начал там танцевать, это было по крайней мере необычно…  вот и пьеса Павла Пряжко как раз и нацелена на то, чтобы рассмешить.

Но всё не так просто, ведь не зря в афишке объявлено: новая драма. Дети вызывают гномика, отдают ему свои сладости, дружатся с ним, предлагают ему покурить и выпить, и… гномик соглашается. А на утро выясняется, что ночной гость, съевший детские сладости, - карлик из соседней деревни! Обман раскрыт,  карлик побит. Но и это отнюдь не всё. Пьеса заканчивается тем, что все дети и вожатые, находившиеся в лагере, застрелены каким-то психом. Весьма вероятно, псих  из соседней деревни. Вот тебе и  посмеялись…

Актёры, задействованные в спектакле,  в основном студенты театрального училища им. Б.Щукина, для них – это проба профессии.. Проба, надо сказать, весьма удачная. 

Световые и звуковые эффекты дополняли общую картину ужаса. Кроме того на чёрной стене шёл перевод слов актёров на английский язык (на показе пьесы присутствовали иностранные гости), и невольно глаза в разные стороны: то на актёров, то на этот перевод – интересно же почитать, как переведут русские шутки на другой язык.

Режиссёр спектакля Филипп Григорьян говорит: «Если зритель настолько развеселится, что у него от смеха оторвётся голова, то это, конечно, недостижимый идеал».

Выходила я из театра с мыслью: «Пошутили с гномиками!»… А несколькими днями позже «двинутый милиционер» в обычном московском  супермаркете расстрелял случайных  мирных людей… И это был не спектакль, а реальная новая драма.

Анастасия Писарь, кор. СЕТИ РУ
 

Браво, Владимир Зельдин!!!

10 февраля  2015 г.  Владимиру Зельдину  исполнилось 100  лет!!!

ЗЕЛЬДИН Владимир Михайлович. Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР. Родился 10 февраля 1915 года в городе Козлове…
 

Долгожительство – это феномен. А в нашей стране феномен особенный. К людям живущим долго и, как правило счастливо,   я отношусь с большим почтением… Интерес и уважение у меня вызывает народный артист СССР Владимир Зельдин. Мы  на него ходили. Именно на него. Спектакль в театре «Модерн» «Дядюшкин сон» по Ф.М.Достоевскому срежиссирован под этого артиста. Он там главный и собственно держит весь спектакль. (вместе с н.а. Натальей Теняковой). 

Поразило то, что в свои годы этот великий человек настолько бодр и вменяем, что для роли престарелого князя, который весь на пружинах, кажется  молодым. Артиста пришлось состарить! И на сцене ему  приходилось сдерживать себя. Я попыталась заснять Владимира Михайловича на камеру и не удалось. Он был, как ртуть – весь в движении. Из 20 кадров, дай бог, пара оказались в фокусе.

Сцена объяснения в любви князя и молодой Зиночки была органичной и удалось чрезвычайно. Ему  даже играть не пришлось. Обнимание, целование ручек, стояние на коленях – всё ему по душе, всё в радость, всё в  легкую…
 

Да… Такая прыть в такие годы! Я вам больше скажу, там всё парик старого князя обыгрывался. Дескать старый князь  стеснялся своих седин и лысины… Так вот: без парика Зельдин выглядел более браво и презентабельно.  

Вечно молодой! 
Вечный учитель танцев!
Вечный герой, дамский обольститель!

Мужчины,  учитесь! Умение быть дамским угодником продлевает  вашему полу жизнь, молодость, представительность… 

Добавлю по спектаклю: сделан хорошо. Некоторые сокращения пошли спектаклю  на пользу.  Заострены самые веселые моменты… Из мелодрамы ( все-таки герой в конце должен умереть от унижения)  сделана полновесная комедия – герой не умирает. Все признаются, что обманывали дядюшку, издевались над ним… Но со сцены он уходит своими ногами.

И это правильный режиссерский ход – Зельдина надо беречь!!! В его присутствии не должно быть и намека на смерть… Повеселились и разошлись. 

А нам, грешным, надо изучать феномен Зельдина, разгадывать его и учиться жить долго и счастливо по-Зельдину.

Светлана Булашова, главный редактор СЕТИ.РУ


Забыть Герострата?

Да, ни  за что !

Вот и "Содружество актеров Таганки" внесло свою лепту. Первый же спектакль  показал – зрителю пьеса "Забыть Герострата" интересна!

На премьеру  я шла целенаправленно:   люблю пьесы Григория Горина. Ценю  хороший литературный материал.  Мне важно, каким языком и о чем говорят герои.  Горин – это всегда беспроигрышный вариант. Хорошая литература, как хорошее вино, с годами только «крепчает», набирает букет.

Забыть Герострата всем миром пытаются уже 23 века. Как известно, этот антигерой, ради собственного тщеславия,  сжег одно из чудес света – Храм богини Артемиды. Стремился прославиться на века. И это случилось!. Театры всего мира непрестанно прославляют безумца. 

"Содружество актеров Таганки" тоже не забыло Герострата. Правда, по-своему. Театру удалось  воплотить в жизнь свою версию коварного и хитрого поджигателя.  Несмотря на то, что спектакль еще «не обкатан», режиссера Екатерину Королеву и ее команду можно поздравить. 

Что понравилось?

Актуальность. Спектакль оказался живым пособием по грамотному пиару. Всем начинающим пиарщикам советую его посмотреть. Запрет – самый великий пиарход. В спектакле  все пиартехнологии прописаны, как по нотам. Три великие соблазна человечества: самосохранение, удовольствия, тщеславие – мастерски используются главным героем в достижении своих целей.  Цитаты  и отдельные реплики пьесы можно заучивать наизусть и блистать остроумием в обществе…

Главный герой.  Артист  Андрей Васильев сыграл хорошо: вызвал у зрителя неприязнь к Герострату. Объясню почему это хорошо. Последнее время многие режиссеры делают ставку на обаяние отрицательных героев.  Милые злодеи очаровывают зрителей.  Мерзавцы выглядят  симпатичнее  положительных героев. Это считается театральной фишкой. И на этом выросло целое поколение реальных зрителей. На Таганке пошли в разрез с театральной  модой. 

Интересны актеры второго плана – тюремщик  (з.а. Михаил Басов) и жрица Крисиппа (з.а. Лидия Савченко). Их игра окрашена особой краской - гротескностью и юмором… Они активно смешат публику, что важно в трагикомедии.

Остальные герои выглядят серьезными персонажами. Между тем Горин всю жизнь боялся «серьезных лиц»...

Сценография  Василия Крутипорха продумана и помогает зрителю вжиться в эпоху. Казалось бы,  малая сцена, однако у актеров есть, где  развернуться, и что поиграть… Всё происходит на разных  ярусах,  в разных мизансценах: в Храме, в тюрьме,  во дворце, в море… Словом, получилось театрально! И это тоже плюс для тех зрителей, кто не любит голую сцену.

Вердикт: спектакль стоит смотреть. Отвлечет от обыденности, напомнит, что такое хорошая пьеса, а заодно поучит грамотному пиару.

Светлана Булашова, главный редактор СЕТИ.РУ

видеоэпизод из спектакля


 

ЮБИЛЕЙ    ЧЕХОВА ОТЫГРАЮТ   ПО-ЧЕХОВСКИ 


А.П. Чехов юбилеи не любил. Однако его 150-летие празднует   весь мир. 
О подробностях  юбилейного фестиваля  общественности  рассказали заместитель министра культуры Андрей Бусыгин и  генеральный директор международного театрального фестиваля Михаил Шадрин.

Международный театральный фестиваль им. А.П. Чехова подготовил обширную программу, состоящую из трех частей: зимняя (с 26 – 31 января), летняя (с 25 мая – 30 июля) и мировое турне в течение всего года.

В рамках зимней программы «Дни А.П. Чехова в Москве» свои спектакли покажут  Марк Захаров, Дмитрий Черняков, Владимир Панков, Андрей Кончаловский. 
При упоминании последнего Михаил Шадрин заметил, что «кинематографисты не часто успешно выступают на театральных подмостках».

С 25 мая по 30 июля в Москве пройдет Девятый Международный театральный фестиваль им. А. П. Чехова. Основу программы составят спектакли (драматические, музыкальные, театрально-цирковые постановки по произведениям Чехова и о нём), которые фестиваль готовит в сотрудничестве с театрами России и зарубежных стран - Франции, Испании, Германии, Канады, Швейцарии, Щвеции, Республики Беларусь, Армении, Японии и Тайваня.
В течение всего 2010 года чеховские спектакли будут показаны в городах России и за рубежом. «К сожалению, программу турне сейчас трудно прогнозировать. Многое будет зависеть от готовности спектаклей и, конечно, обстоятельств,» - уточнил Михаил Шадрин.
В свою очередь, Андрей Бусыгин рассказал, что иностранные правительства вместе с правительством РФ обеспечат благоприятные условия для проведения мирового турне. «Мы делаем все возможное, чтобы экономический кризис и политические разногласия не влияли на сферу культуры. Так трудности в  российско – украинских отношениях не отразились на  доме А.П. Чехова в Ялте. Для его поддержания постоянно требуются немалые капиталовложения». Кстати, в рамках «Дней А.П. Чехова» в Ялте будет показан спектакль "Три сестры" в постановке Деклана Доннеллана, а  в июле там состоится летняя школа для молодых актеров и режиссеров из разных стран.
«Помимо театральных мероприятий в Москве открылись две выставки, посвященные 150-летию писателя. «А.П.Чехов. Неоконченная пьеса» в Выставочном зале Федеральных архивов и новая экспозиция в музее А.П. Чехова, на которой представлены неизвестные автографы и афиши чеховских постановок со всего мира. Готовится ряд интересных издательских проектов.
 «Любовница - литература и законная жена – врачебное дело, » - так А.П. Чехов отзывался о своих занятиях. Судя по всему, первая победила. А.Чехов и в наши дни самый востребованный драматург. Сспектакли по его пьесам дают хорошую пищу для размышлений. 

Елизавета Козлякова, кор. СЕТИ РУ



 


 

НАТЯНУТЫЙ НЕРВ ГИТАРНОЙ СТРУНЫ…

Спектакль «В.В.С» - авторское детище режиссера–постановщика Николая Губенко. 

Он взрывает умы, он обнажает души. Он хрипит о наболевшем, он поет о вечном… Исповедально-сокровенный голос Владимира Высоцкого раздается в этот вечер со сцены театра «Содружество актеров Таганки» - театра, где он пел, играл, творил.

Спектакль «В.В.С» - авторское детище режиссера–постановщика Николая Губенко. Будучи современником В. Высоцкого, он вместе с ним начинал в театре на Таганке, не раз выходил с ним на одну сцену, играл одни и те же роли. Перед режиссером стояла непростая задача. Когда написаны сотни книг, сказаны тысячи слов, что еще можно добавить о человеке, чьи поэтические и музыкальные шедевры потрясли целое поколение?

Губенко создает новый уникальный формат театральной постановки. Здесь не рассказывают историю и не играют судьбу. Режиссер создает лишь удивительный видеоряд пролетевших лет глазами великого поэта, актера, певца …А силу и мощную  энергетику спектаклю придают чувства самих зрителей, переживающих одновременно свои юность  и молодость, 

Воспоминания детства и войны, трудности советского режима и опьяненность свободой, высокая любовь и низость человеческих пороков… Непостижимо, откуда молодой Высоцкий так много и так точно знал про нас про всех? Про войну - хотя сам не воевал. Про тюрьмы и лагеря - хотя сам не сидел. Про деревню - хотя сам коренной горожанин. Откуда эта щемящая достоверность?

Категоричность Высоцкого режиссер-постановщик подчеркивает торжественным и вместе с тем траурным черным цветом. Черный везде – в сценографии, в костюмах, в темноте, накрывающей зрителей.

И словно ослепительный луч,  охрипший баритон поэта  пронзают яркие философско-романтические сюжеты о любви и мечте…

Актеры (Зинаида Славина, Михаил Лебедев, Виктория Радунская, Алла Богина, Лидия Савченко, Полина Фокина и другие) быстро меняют маски, рисуя узнаваемые гротескные пародии. Голосом самого поэта, голосом актеров и голосом аплодисментов надрывается и кричит гитара, летят аккорды слов о главном, истинном, вечном. Спектакль о поэте - это не попытка разгадать гений Высоцкого. Это не стремление его понять, узнать или вспомнить. Спектакль «В.В.С.» – это песня, спетая на языке, понятном для всех. Это монолог о жизни, свободе и правде, бьющий в набат сердце каждого. 

Примечательно, что в этой постановке задействована вся труппа театра. Как будто каждый из актеров пришел на спектакль отдать честь гению Высоцкого. И каждый зритель тоже негласно отдавал эту честь. Когда занавес опустился и включили свет, многие улыбались, а у кого-то на глазах были слезы. Как сказал сам режиссер: «Реакция живая, люди с комком в горле, люди улыбаются, люди смеются — люди думают. И это очень важно».

В финале на белом саване, воплощенном в занавесе, возникает лицо Высоцкого. Саван колышется и создается ощущение, что на спектакле присутствует сам поэт, со своей неподдельной мимикой, разговаривает с каждым из нас. Становится понятно: своим даром он обрел жизнь после смерти. Он с нами! 
Спасибо за это Содружеству актеров на Таганке!

Любовь Шишенина,  кор. СЕТИ РУ


Театр им. Йозефа Бойса - новый эксперимент

«Сдай папу – помоги Родине!»


Театр им. Йозефа Бойса не перестает удивлять зрителя новыми дерзкими постановками. Вот и на этот раз не обошлось без эпатажа.

Премьера спектакля «Павлик – мой Бог» (режиссер Евгений Григорьев) на площадке  PROEKT_FABRIKA собрала полный зал зрителей. Этому есть объяснение – на афише спектакля интригующий и вызывающий лозунг: «Сдай папу – помоги Родине!».

Зритель становится свидетелем личной драмы девочки Тани. Игра Марии Костиковой, актрисы театра им. Вахтангова, вызывала и смех, и грусть, и слезы, и сострадание. Но чаще и то, и другое одновременно. «Ищу отца», -  заявляет Таня залу, словно  всему миру. Отчаяние и глубокая обида на бросившего ее отца, заставляют Таню в отместку распродавать его вещи. Но и этого ей кажется мало. И тогда она решает его предать – заявить на него в налоговую инспекцию.

С этого момента ее кумиром становится Павлик Морозов. Актер Донатас Грудович создал многоплановый образ главного героя. Он – то отчаявшийся простой мальчик, то иронизирующий глубокий старик, доживший до наших дней, то надменный холодный памятник. И Павлик предстает уже не тем героем, которым его сделала ушедшая эпоха. Его подвиг и биография в спектакле принимают другую трактовку, и миф о нем рушится на глазах.

С Таней его объединяет не тема предательства, а то, что его отец тоже ушел в другую семью. И на протяжении всего спектакля в их разговорах,  как невидимка, стоит вопрос «Почему?». Они бояться его произнести вслух, потому что не знают ответа.

В виде декораций использованы документальные фото- и киноматериалы, специально отснятые Евгением Григорьевым на родине Павлика Морозова, деревне Герасимовка. Проецируемые одновременно на шесть экранов, установленных по принципу круговой панорамы, они только усилили игру актеров и сделали спектакль более понятным и интереснее для зрителя.

По своей сути этот спектакль – исповедь. Исповедь драматурга пьесы Нины Беленицкой, у которой, как и у Тани продолжает жить надежда, что когда-нибудь зазвонит телефон или откроется дверь и там будет … ее отец.

Но как жить с обидой и разочарованием в сердце? Как найти в себе силы, чтобы прощать? Увы, прощать обиды люди так и не научились. Так что Павлики Морозовы по-прежнему среди нас. Спектакль актуален как никогда.

Алина Бучинская, кор. СЕТИ РУ


Театр им. Йозефа Бойса перешел на личности


Труппа этого нового экспериментального театра открыла свой второй театральный сезон громкими заявлениями перед взыскательными зрителями и журналистами.

Театр необычный: здесь нет классической сцены и декораций, здесь не поднимают занавес, просто потому что его тоже нет. По определению его основателей это «бедный театр», который не нуждается в дорогих декорациях и костюмах. «Его площадкой может стать любое пространство» - записано в его манифесте. 

Каждый человек – художник. Именно этих слов Йозефа Бойса придерживается главный режиссер театра Георг Жено. Поэтому здесь каждый спектакль – импровизация и эксперимент, поиск нового языка общения со зрителем. К примеру, «Общество анонимных художников» даже и спектаклем не назовешь… Скорее это интерактивный проект. В нем зритель, добровольно ставший участником действа, может анонимно доказывать, что жизнь любого человека тоже творчество. Неслучайно на премьеру этого спектакля пришли преподаватели из ВГИКа, которые высоко оценили работу артистов. Подтверждением стало активное участие в постановке некоторых из них.

Не менее заметной обещает быть премьера «Павлик – мой бог». Действие спектакля перенесено в наше время и заставляет задуматься над тем, что такое предательство и умение прощать. 
На пресс-конференции, предваряющей открытие сезона,  творческая группа театра обещала представить и еще более интересные постановки. Например, документальный сериал «Понаехали» расскажет о судьбах тех, кто приехал и остался жить в России. Состоится премьера спектакля «Дневник Анны Франк». История еврейской девочки позволит понять ее страхи и мечты в период нацистского террора. В интерактивном проекте «Большой город» зритель будет вместе с создателями спектакля решать культурные и социальные проблемы мегаполиса.
Познание человека, погружение в его психологическое состояние и раскрытие личности стали отличительной особенностью театра, которая заставляет зрителя приходить сюда снова и снова.
 

 А. Бучинская, кор. СЕТИ РУ


Броневик попал в тупик


Эдичка Лимонов и Тимур Кибиров тоскуют, но не по сексу
 

В театральном центре СТД РФ «На Страстном» в рамках проекта «Питер-Москва-Питер» был представлен моноспектакль «Эпитафия», от режиссера Владимира Михельсона. Главную и единственную роль сыграл актер театра и кино - Алексей Девотченко, хорошо известный зрителям канала «Культура» по циклу передач «Оправдание Гоголя» и сериалу «Золотой теленок». 

Зритель, уставший от новомодных моноспектаклей резонно поинтересуется:– а стоит ли тратить время на очередной «театр одного актера»? В этот раз определенно стоит.
От симбиоза (если не сказать коммунального сожительства) эпатажного и жесткого «Дневника неудачника» Эдуарда Лимонова, и саркастичной, но столь же и грустной - поэмы «Сквозь прощальные слёзы» Тимура Кибирова, рождается «Эпитафия».
Главный герой, блестяще сыгранный Алексеем Девотченко – почти классическое олицетворение сознания русской интеллигенции. Не найдя себе места ни в России, ни в Америке, ему остается лишь умолять – «Уберите же Ленина с трешек. Больше нечего нам пожелать!». 

Как и полагается интеллигенту, образ, созданный Алексеем Девотченко противоречив: вот он яростно мечется по сцене, извергая желчные комментарии в зал. А то вдруг  на него снисходит луч света, и под аккомпанемент скрипки Бориса Кипниса он тоскует о прелестях Гражданской войны: «Хорошо в мае, в замечательном влажном мае быть председателем Всероссийской Чрезвычайной комиссии в городе Одессе, стоять в кожаной куртке на балконе, выходящем в сторону моря, поправлять пенсне и вдыхать одуряющие запахи…». За такие мысли можно и смычком по голове получить…

В спектакле нет ничего лишнего – полностью отсутствуют декорации. Лишь скомканная телогрейка, да чуть помятая газета. Которые тоже «работают» на образ главного героя.
«Эпитафия» не дает ответов, скорее наоборот – она ставит вопросы. А как известно, вопросы - куда важнее ответов.

Андрей Куликов, кор. СЕТИ РУ



 

Большая власть «маленького человека» 


В  помещении театра им. Вахтангова прошла премьера спектакля «Жених с того света» по пьесе Карла Гольдони «Слуга двух господ»,  режиссер – Алексей Кирющенко. 
Отдельной строкой в программке поясняется специфика жанра: комедия –дель-арте – вид итальянского театра с обилием импровизаций и  участием одетых в маски актеров. 
Впервые ярко и талантливо зрителям представлена музыкальная уличная комедия.

Яркие костюмы, имитирующие моду восемнадцатого века, резкая, клоунская  пластика, превращающая воображаемые маски в почти осязаемые, вычурные манеры  - одни расшаркивания по десять раз вызывают в зале неудержимый хохот. Декорации, напоминают подмостки площадного театра. Им предстоит сыграть важную роль в создании комедии положений: ряд раздвигающихся полотен со схематичными рисунками позволяют трансформировать улицу в дом и не допустить рокового столкновения персонажей. Ассистентскую работу здесь выполняют сами актеры, не скрываясь, все это вызывает ассоциацию с народным театром. Здесь нет грустных лиц; в каждом персонаже сидит капризный эгоистичный ребенок, безудержно требующий своего!
 Что ж, режиссер прав: в каждом из нас живет наивный малыш, благодаря которому мы помним, что такое смех. Но главный, хоть и невидимый персонаж - сказочная атмосфера с уверенностью в хеппи-энде. Немалую роль в ее создании играет музыкальное оформление и обилие комичных танцевальных номеров.
В начале действия персонажи на средневековый манер кланяются зрителям, а затем начинают разыгрывать на свой лад старинную пьесу.
Каждая маска знакома: лицемерные стяжатели Ломбарди (Александр Линьков), и Панталоне (Борис Каморзин), их дети-недоросли Сильвио - Илья Бледный и Клариче – Татьяна Матюхова, трогательные влюбленные Беатриче (Нелли Уварова) и Флориндо (Алексей Мясников). Труффальдино в исполнении Тимура Родригеза –авантюрист, вызывающий смех одним своим появлением. Глядя на дебют Родригеза на театральной сцене, можно сделать вывод о его комедийном таланте. 

 Как живется слугам двух господ и что из этого получается?.. В наше смутное кризисное время вопрос не праздный. Именно в периоды нестабильности люди начинают хвататься за любые возможности подзаработать, тут вам и взяточничество и другие способы «надуть покупателя». Наш герой даже готов соврать о смерти своих хозяев лишь бы выйти сухим из воды… Оставим в стороне рассуждения о моральной стороне вопроса. Посмотрим на чисто практическую выгоду – ведь как правило, целью двурушников является желание получить «бааальшую кучу денег», а не прибавить себе лишнюю головную боль. 
Однако, судя по Труффальдино, живется им тяжело и голодно. Его хозяева, как и положено разлученным возлюбленным, не спят и не едят, ежечасно  засыпая покорного слугу новой порцией противоречивых поручений. Несчастный путает письма, приказы, имена... На его счастье окружающие так заняты собой, что не замечают очевидного вранья - как, впрочем, и пустого желудка. «Служа двум господам, от голода умру!» - вздыхает он. Откровенное пренебрежение дорого обходится «сильным мира сего»: привыкнув покупать все и вся они постепенно  утрачивают бдительность и начинают плясать под дудку слуг. События, разворачивающиеся согласно безумным фантазиям Труффальдино  становится все более нелепыми,  а доверчивость главных героев выглядит глупостью. Благодаря своей наивности Беатриче и Флориндо не могут отыскать друг друга в одном доме. На сцене это  смешно. Но  тысячи людей  с привычными, будто приклеенными улыбками годами ходят по соседним улицам или офисам, мечтая о любви – а затем чудом обнаруживают ее в соседней комнате.  За двести лет ничего не изменилось: городская суета и привычный эгоцентризм не дают заглянуть под  чужую маску. Помочь может разве что чудо в виде  столкновения лбами…
Большую часть действия Беатриче скрывалась под именем Федерико, поэтому Нелли Уварова сыграла фактически две роли – женскую и мужскую. Завораживает, как образ серьезного, резкого Федерико волшебно оборачивается нежной девушкой. А Флориндо Алексея Мясникова получился обаятельным болтуном, который все действие лишь отдавал приказы и восклицал: «Беатриче! Беатриче»! В результате его невесте пришлось все делать самой  (ах, как это знакомо)…
Ломбарди и  Панталоне  - настоящие средневековые бизнесмены, превыше всего ставящие размер приданого и свою репутацию. Панталоне Бориса Каморзина – хоть и любящий отец, но не видит ничего дальше собственной выгоды. Ломбарди – всепрощающий мудрец, улаживающий бесконечные проблемы непутевого сына. 
Образы Клариче и Сильвио весьма показательны: перед нами типичные представители инфантильной молодежи, знающие всю жизнь  только одну фразу: «Папа, дай»! каждый на свой лад. Теперь им приходится решать проблемы относительно самостоятельно. Клариче Татьяны Матюховой – истеричная, но под занавес вызывающая уважение особа. Зато типаж  Сильвио (Илья Бледный) -папенькиного сынка узнается мгновенно и внушает ужас: куда катится мир?.. 
Спектакль полон нелепых ситуаций и неожиданных острот, за которыми скрываются вечные страсти: жадность, страх, любовь… Все это было бы смешно, когда бы не было так грустно. Труффальдино, что характерно для людей в подобном положении, невольно разрушает ложью  людские судьбы. Чуть до смерти хозяев не довел. Не страшно: по законам  жанра хеппи-энд обеспечен – влюбленных поженили, Сильвио выучил пару новых фраз, и даже нерадивого слугу «на радостях простили»… Алексей Кирющенко с группой актеров нарисовали красочную картину современности с ее суетой,  властью денег, равнодушием, за которым иногда пробивается искреннее чувство. А управляет действием «маленький человек» - слуга двух господ. Впрочем, в конце концов, побеждает все же любовь - растворяющая равнодушие и срывающая маски. А значит, надежда у нас есть.

Маргарита Калинина, кор. СЕТИ РУ
 


 

Премьера пьесы известного немецкого драматурга и режиссёра Фалька Рихтера
 Стереоспектакль «God is a gj»


рецензия

Дискотечный катарсис

или очищение кокаином и кетчупом


Театр «Центр драматургии и режиссуры» представил российскую постановку пьесы немецкого драматурга Фалька Рихтера. 

Программка спектакля интриговала: «God is a dj» - не просто пьеса в классическом представлении, это – коктейль из перформанса, клубной культуры,  комедийного и реалии-шоу на ТВ. Да, забористый напиток для нас смешал режиссер Михаил Морсков .

Что же получилось в итоге? 

Ещё до начала стереоспектакля, зрителям есть на что посмотреть. В фойе царит атмосфера дискотеки: ритмичная музыка, по залу  блуждают световые лучи. Клубный антураж дополняют черные полотна, фосфоресцирующие изображениями звуковых усилителей… 

Похоже, режиссер решил эпатировать зрителя, начиная  "с вешалки". Даже билетеры и гардеробщики стали частичкой антуража (или живой рекламой?):  нарядились в фартуки с логотипами «God is a dj».

Наконец, зрители в зале. Первое, что можно заметить - диджейский пульт, нависающий над сценой. За установкой возлежит юноша в балахоне с надписью «God», один из двух персонажей спектакля. 

Вскоре появляется его партнерша - она прячется среди зрителей. «Бог умер… и переродился» - заявляет героиня, после чего с нарочито MTV’шным прононсом, начинает сыпать бессвязными репликами.
Манера говорить, мимика, поведение в этом спектакле – все пародия на глянцевую жизнь. Кстати, Моника Госсманн, сыгравшая женский персонаж – вылитая Ксюша Собчак, попадание в образ 100-процентное. 

Герои демонстрируют перед зрителем все подробности своей интимной жизни. Мы видим, как они ссорятся, целуются, готовят еду, обмазывают друг друга кетчупом, занимаются любовью, а между всеми этими действиями - нюхают кокаин… 
Много моментов на грани фола – мат, разговоры о гомосексуализме и педофилии. Масла в огонь подливает установленный на сцене плазменный экран, показывающий обнаженную женщину, с заклеенным ртом, и каннибалов, пожирающих человеческую плоть. 

Цветовое решение спектакля – сочетание зеленого и красного, как стекла стереоскопических очков. Зеленый балахон героя, и красный у героини. Красные и зеленые детали конструктора, из которого собраны декорации, даже микрофоны выполнены в этой гамме.
В определенный момент (когда герои приняли очередную дозу) на сцену проецируется надпись: «Пожалуйста, оденьте, стереоскопические очки» (их выдают перед спектаклем). Зритель становится ещё и соучастником наркотических грез персонажей.

 «Стерео» спектакль окутывает нас атмосферой гадости, пошлости, порока и других нечистот. Да, режиссер не пощадил  зрителя и макнул его по самую голову.
«…происходит подмена вечных ценностей, потеря нравственности, доверия к ближнему и самому себе. Любовь превращается в перманентное искусственное реалити-шоу…» - так трактует свою задумку молодой режиссер Михаил Морсков.
Каков же итог? Стереопостановка – это, с одной стороны, погружение в гламурные нечистоты..  А с другой – средство, призванное "разбудить" зрителя... Ведь не ровен час, как все мы заговорим словами персонажей этой пьесы: «Так приятно. Мозги растворяются…».

Андрей Куликов, кор. СЕТИ РУ
 

репортаж

Стереожизнь: удар по нервам и по мозгам


При поддержке проекта «Открытая сцена» и Немецкого культурного центра им. Гёте прошла российская премьера пьесы известного немецкого драматурга и режиссёра Фалька Рихтера. Теперь, стереоспектакль «God is a gj» в переводе с немецкого Моники Госсманн и Глеба Иванова можно увидеть в репертуаре ЦДР на Беговой, 5.

«Добрый вечер, ряд 8, места 5,6, проходите, пожалуйста, там за шторкой самое интересное!» - так встречают на входе театра и сразу интригуют: что же там такое за шторкой? Открываем…

Светлая комната осталась позади,  за шторкой - имитация ночного клуба. House –музыка, ультрафиолет, от которого белые вещи начинают светиться, бар, где два молодых человека в смешных шапочках мешают коктейли, и зрители, не понимающие, что происходит и как это воспринимать.

Начинается шоу: загорается экран во всю стену. На нём отражается пустыня, приглушённый голос говорит о Боге и жизни под звуки ветра. Начинаешь думать, что это и есть представление, придётся стоять, а это утомляет, но не тут-то было. За спинами собравшихся открывается потайная дверь и всех просят пройти в зал. Только сделать это затруднительно: огромный прожектор, который напоминает солнце, нещадно бьёт в лицо.

Необычное начало предвещает что-то новое. Это не просто спектакль, у него приставка стерео, которая и решила весь постановочный процесс: музыка, камеры, различные мультимедийные решения – и всё пространство театра преобразилось. Такой неожиданный метод затягивал зрителей в виртуальный мир, созданный режиссёром и актёрами. 

В спектакле два действующих лица: парень, сидящий над сценой за диджейским пультом, и девушка, появляющаяся из зала. Они – поколение XXI века, живущее в мире Интернета, телевидения и экстази. Вся их жизнь – постоянная игра в саморекламу, красование перед камерой в режиме on-line и за деньги.

Сюжет и обилие зрительных эффектов держит публику в напряжении весь спектакль. Не успеваешь следить за действием: оно происходит со всех сторон – судя по всему, это и есть главная "фишка" стереоспектакля! Очки для просмотра 3D- фильмов, выданные на входе, тоже интересное решение. Одев их в нужный момент, ты цепляешься за кресло, потому что кометы и другие инородные тела летят в зал и готовы раздавить тебя.

Актёры же делают своё дело: выставляют на показ себя любимых, свои мысли, чувства, прошлое, быт, всё самое личное и интимное…  Они играют молодёжь такой, какой она и является, с её использованием ненормативной лексики, интересами к кровавым сценам, жизнью под кайфом наркотиков. 

Спектакль оглушает… С каждой минутой ужасаешься всё более: Боже, неужели это и есть наше   настоящее? Михаил Морсков, режиссёр спектакля подчёркивает: «Основная тема пьесы, на мой взгляд, - потеря личности путём самообмана и ухода от реальности …»

Идея Фалька Рихтера наглядна и показательна: надо меняться, иначе экстази, Интернет  и телевидение поглотят нас окончательно или превратят в кусок пластилина 
А посему, есть ощущение, что спектакль удался… 

Анастасия Писарь, кор. СЕТИ РУ
 

реплика

«GOD IS A DJ»:

жизнь поколения экстази и Интернета 

Секс, наркотики, иллюзии… 
Вся эта адская смесь собралась в стереоспектакле Михаила Морского, поставленного по популярной за рубежом пьесе Фалька Рихтера «GOD IS A DJ»,  идущей на "Сцене на Беговой" Центре драматургии и режиссуры А.Казанцева и М.Рощина.

Если верить программке, стереоспектакль – смешение перформанса, реалити-шоу, клубной культуры, стирание границ между реальным и виртуальным миром.
«Радость»  от виртуальных мега и терабайтов информации зрители начинают испытывать уже на входе: их встречает слепящий свет и оглушающая клубная музыка. Разговоры, ориентация в пространстве в такой остановке теряются. Невольно возникает вопрос, как выжить в такой кутерьме звуков, света, видеотрансляций, музыки?.. Более того, зачем вообще жить в такой атмосфере? 
Атмосфера спектакля по сути – модель равнодушного внешнего мира, стремящегося сделать из человека-зрителя зомби. Все погружаются в  дурманящий запах ладана и дыма, а глаза защищаются от софитов цветными очками. 

Сумасшедший дом – или наша реальность?
Героев двое – Он и Она. Их будни –  реалити-шоу, имитирующее жизнь. За два часа они успели пять раз добиться успеха в гламурном  призрачном мире - она стать актрисой, ведущей светской колонки и режиссером, он музыкантом и ди-джеем. Но, в конце концов, они осели в бутафорском доме, где изображают семейную жизнь за двести долларов в час. 
Здесь нет чувств, все – игра на публику. Герои снимают на камеру сцены-пародии на семейную  жизнь. И ровно в тот момент, когда зритель принимает игру за реальность, срываются в истерический, издевательский смех. Их тошнит от фальши, но им платят двести долларов в час, поэтому они продолжают. 

Смысл их жизни сформирован светящимся экраном: шмотки… слава… деньги…  То, ради чего сегодня существуют многие. Спектакль производит яркое и  гнетущее впечатление. Трагедия героев – наша жизнь в увеличительном стекле. Вот только как существовать в таком мире? Вероятно,  ключ к ответу в финальном признании героини: «Я люблю тебя!». 

Фальк Рихтер и воплотившие яркие образы актеры - Моника Госсман и Глеб Иванов говорят: истинные живые человеческие чувства могут защитить человечество от саморазрушения.

Маргарита Калинина, кор. СЕТИ РУ

 

Театр "АпАРТе" - три взгляда на один спектакль


Антигона, корифей
и российский триколор 

Мне всегда было интересно - какой он - европейский театр? И обязательно ли за этим ехать в Европу? «Антигона» от Карлоса Мануэля в драматическом театре «АпАРТе» стала ответом.
Античная трагедия Софокла о злом роке и благородной самоотверженности в постановке немецкого режиссера исполнена в атмосфере болезненной безысходности. Эти ощущения навевают все художественные средства, задействованные в постановке. На актерах подчеркнуто небрежная одежда, меньше всего напоминающая белоснежные античные хитоны.
Декорации – обшарпанные стулья и поломанные детские игрушки. Даже пол и свет играют свои роли – первый изображает план кладбища, а второй проецирует зеленоватую дымку болота, появляющуюся в ключевые моменты спектакля. 
На контрасте с мрачными декорациями происходит игра актеров – бравурные речитативы, исполняемые хором. И характерная жестикуляция хип-хопа в движениях персонажей… 

Не скрою – первые минуты мои чувства пребывали в смятении – слишком уж необычна форма исполнения. Зритель наблюдает нервную беготню Антигоны и Исмены, под аккомпанемент хлопающих дверей. Все это происходит на фоне колонн, обклеенных фотографиями из криминальных сводок...

Но по мере развития сюжета понимаешь – и такая форма не мешает восприятию великих идей  Софокла. Да, манера эпатажна, авангардна, но не противоестественна.
Спектакль исполняет свою главную задачу – доносит до зрителя вечные и одновременно злободневные идеи терпимости, демократии  и проч.  Недаром у одного из персонажей характерный галстук с российским триколором.

По словам Карлоса Мануэля, главное, что заинтересовало его в античной трагедии Софокла - нежелание персонажей слышать друг друга. В этом и есть  злободневность спектакля.

Ну, а я уходил из театра с мыслью: не так уж и страшен этот европейский театр. Никто из актеров не вышел на сцену голым,  с потолка не хлынули потоки холодной воды. Да, телогрейки и жестикуляция брейк-данса - выглядят необычно. Но главные идеи трагедии остались неприкосновенными, а это - главное. Что же до телогреек и обшарпанных стульев – это лишь маски, как и все в театре.

Андрей Куликов

Нужны ли революции в театре и в жизни?

Древнегреческий мудрец Софокл считает, что нужны! 
 

Театр «АпАРТе» замахнулся, понимаете ли, на самого Софокла… И помог ему в этом 
модный заграничный режиссер Карлос Мануэль( известен в Германии как постановщик современных спектаклей). Его творения  являются воплощением западных тенденций: простота костюма, быстрый темп актерской игры.

Бунтовать или покориться? Что важнее – гордыня или счастье? Какова цена выбора? Над  этими философскими вопросами размышлял   режиссер и актеры театра АпАРТе в спектакле «Антигона».

Пол театра поделен на квадраты и исписан цифрами  (как выясняется позже – номера могил). Минимум декораций: стул, фотографии, сухие цветочки… 
Резкое, пугающее начало – Антигона (Анастасия Городенцева) и Исмена (Лилия Соловьева) бегают по дворцу-кладбищу, громыхая дверьми… в начале даже кажется, что это опоздавшие зрительницы ищут себе место … Но так задумано. Героини сразу же заявляют и главную проблему спектакля. Они не видят и не слышат друг друга из-за шума и суеты, которые сами создали. 
Антигона здесь – классический бунтарь, борющийся с властью правителя и умирающий  во имя революционной идеи – захоронить труп врага государства. То, что он приходится ей братом, законом не учитывается.  В противовес Антигоне возникает Креонт (Михаил Пярн) – правитель Фив. Он тоже слепо защищает свои убеждения. 

У каждой из сторон имеются помощники-сторонники – хор у Креонта (поет и читает речитативом в стиле РЭП),  сестра и возлюбленный  у Антигоны. 
Корифей (Дмитрий Дежин играет великолепно!), провидец Тиресий и его поводырь (прекрасно исполнены Еленой Старостиной и Полиной Кондратьевой) – здравый голос спектакля. Своего рода защитники справедливости! 

Разговоры между всеми героями протекают по схеме: никто никого не слышит. Каждый говорит своё! И все яростно  отрицают друг друга.  Для фанатика (а человек, бездумно следующий какой-то идее, в частности революционной, несомненно, принадлежит к этой славной когорте мучеников), воплощение идеи важнее практического результата или  личного счастья. Возможно, поэтому Креонт и Антигона легко разрушают не только свои, но и чужие жизни.  Отрезвление наступает позже… Когда уже поздно. 

Непривычные российскому зрителю постановочные ходы добавляют спектаклю новизны. Рисунок на полу создает ощущение жизни на кладбище - то есть герои  с самого начала обречены. А фотографии умерших героев, разбросанные повсюду  -  результат «бессмысленных и беспощадных бунтов». Костюмы подчеркивают мистическое пространство «безвременья». Каждый зритель может увидеть в древнегреческих персонажах себя и своих современников. 

Трагический финал спектакля театра «АпАРТе» говорит: решения, проводимые «огнем и мечом» лишь увеличивают масштаб трагедий. Куда рациональнее проводить реформы. А для этого всего-то и нужно: уметь слушать и слышать другого. Возможно, он мудр как Корифей. Театр «АпАРТе» взялся донести до зрителя трудную тему, но, как оказалось, весьма современную. Дело за зрителем: придти в театр … Захотеть услышать и увидеть!

Маргарита Калинина, кор. СЕТИ РУ

Понты дороже жизни

Почему немецкий режиссер португальского происхождения Карлос Мануэль захотел поставить в России древнегреческую трагедию "Антигона"?

И чем европейский спектакль отличается от российского? Этими вопросами я задалась при входе в необычный вытянутый зал с рядами стульев для зрителей на сцене  и креслами по бокам. Все остальное - сцена. 

Отличие западного театра от "нашего" проявилось моментально. Прежде всего  в манере игры. Хор исполняет речитатив, как бы вдалбливая смысл в зрителей. Герои излишне активно жестикулируют, опять же, с целью дополнительной визуализации содержания речи. Вместо туник и хитонов - странные урбанистические костюмы с элементами рэп-милитари. Почему-то предсказателя Тиресия с мальчиком-поводырем играют женщины. 

Но в целом эти западные особенности не портят впечатления от спектакля. 
Порывистость героев, неестественная пластика, скудные декорации, состоящие из низеньких стульчиков и сломанных игрушек, ксерокопированные фото на столбе и схема кладбища на полу - все это создает скорбную атмосферу обреченности.

Интересна авторская трактовка произведения Софокла. В чем истинная трагедия "Антигоны"? Только ли в чрезвычайном драматизме:  море крови и горе трупов в финале? Истинная причина несчастий - в тотальном непонимании, в нежелании понять другого. Причем такое нежелание аргументируется своим положением, своей ролью: будь то Антигона, любящая сестра или Креонт - тиран, который в силу своего статуса не может уступить, тем более женщине. 

Режиссер не оправдывает ни Креонта, ни Антигону, ведь оба они восстали против общих законов. Креонт - против законов богов, а Антигона - против законов Креонта, которые соблюдали все жители Фив. 

Хор, как представитель общества, вторит власть предержащим. Даже Корифей, по замыслу режиссера, политизирован, выдает его галстук с российским триколором. И лишь бедный Гемон, возлюбленный Антигоны и сын Креонта, пытается примирить непримиримое, избежать кровопролития и не боится прямо упрекнуть отца в несправедливости.

Обращение к сюжету древнегреческой трагедии становится понятным. Со времен Софокла общество не стало совершеннее, ведь по-прежнему "понты дороже жизни ". Сегодня проблема непонимания лишь усугубилась идеологией индивидуализма, граничащего с эгоцентризмом. А главное - люди так и не научились слушать и слышать друг друга. Иначе не было бы столько войн, террора, бытовых убийств, а значит и бессмысленных жертв+…

Нина Рындина, кор. СЕТИ РУ



На фото: моменты репетиций.
(фото с сайта театра АпАРТе)

 
 

В октябре  в СТД "На Страстном" с успехом прошел 
 фестиваль моноспектаклей «SOLO».
Чем он запомнился?

Виски, геморрой и зоофилия

«История обыкновенного безумия» – театральный проект режиссера и исполнителя Семёна Александровского (Санкт-Петербург). В Москве постановка впервые была представлена на Международном театральном фестивале моноспектаклей «SOLO». 

И вновь в ТЦ «На Страстном» разыгрывается шокирующий сюжет по мотивам рассказов одного из крупнейших современных писателей США и знаменитого диссидента Чарльза Буковски.

Семён Александровский изображает несколько персонажей, но повествование неизменно идет от первого лица. Истории отделяются одна от другой лирической музыкой Тома Уэйтса. 

Все герои – «люди отчаянные, с выбитыми зубами, шальной башкой и сломанной жизнью», бродяги и выпивохи со дна общества. Все сюжеты объединены анархистской сатирой, провокацией и обнаженной правдой жизни.

Семён появляется перед зрителями «в образе»: небритый, с бутылкой виски медленно вразвалочку идет к импровизированной сцене, пьет из горла виски и начинает свой монолог. «Я человек не очень приятный — это вам любой скажет. Я и слова-то такого не знаю. Меня всегда восхищали подлецы, разбойники, сукины сыны…». Рассказ полон шокирующего натурализма. Герой подробно описывает, как лечил геморрой, бился на боксерском ринге с самих Хемингуэем, жил с зоофилкой. И наконец, кульминация: рождается ребенок, вобравший в себя всю человеческую любовь и всю звериную силу животных, с которыми совокуплялась его мать. Но нет места совершенству в этом мире. Раздается ядерный взрыв… 

Из реквизита – бутылка виски, сигареты и печатная машинка, из декораций – фоновое панно, стол и стул. С помощью этих маловыразительных средств актер представляет обширную палитру красок жизни, по которой герой беззаботно дрейфует. Он просто живет в предлагаемых судьбой обстоятельствах, не задумываясь, что будет завтра.

Публика, преимущественно молодежь, довольно бурно реагировала на происходящее. Зрителям было то смешно, то невыносимо грустно. Многие глубоко сопереживали лирическому герою Александровского. Это стало особенно заметно по окончании спектакля, когда актер поднял с пола первого ряда и предъявил всем пустые бутылки из-под крепких спиртных напитков, которые некоторые зрители уничтожили за предыдущие полтора часа. Сразу выяснилось, что и на задних рядах не теряли времени. Семену передали бутылки, в одной было немного конька, который он сразу же выпил. Аплодисменты стали еще громче.
 

Нина Рындина, кор. СЕТИ РУ


"SOLO" против  толпы!
несколько слов о фестивале

В октябре в Москве стартовал  фестиваль моноспектаклей «SOLO». В нем участвовали наиболее  известные постановки последних лет. Хотя четкой границы между обычным спектаклем и моноспектаклем нет, все же в последних очень сильно авторское начало,  более важна личность играющего. 

Идею «SOLO» оригинально озвучил председатель оргкомитета фестиваля Константин Райкин: «Моноспектакль сегодня является своеобразным театральным ответом традиции открытия олимпиад», противовесом привычки  преклоняться перед силой толпы. «Человек один на голой сцене, в этом есть что-то великое!..»

На фестивале представлены, как моноспектакли российских актеров, так и зарубежных из Литвы, Украины, Финляндии, Болгарии и других стран. Не все из них являют  собой классическую форму моноспектакля – монолог. Например, «Юанита Хильдегард Бо» моноспектакль Галины Борисовой, танцовщицы  по профессии, представляет собой танец. А  «Пикник с Алисой», моноспектакль Алены Барковой, ломает стереотип о том, что моноспектакль является серьезным, зачастую трагическим монологом. Этот спектакль, рассказывающий о чудесах, происходящих с героиней сказки Л. Кэрролла «Алиса в стране чудес», адресован и  детям, и их родителям, получающим возможность вспомнить о волшебном детском восприятии мира. 

В ходе пресс-конференции, предваряющей фестиваль «SOLO», журналисты неожиданно стали зрителями: народные артисты РФ Константин Райкин и Евгений Стеблов  разыграли   яркий миниспектакль - настолько увлекателен и необычен был их рассказ о предстоящем фестивале, о внутренней сути этого театрального действа.

В чем сила моноспектакля? В его исповедальности. Сохранить способность исповедоваться – значит сохранить в себе лучшие душевные качества. Правду о себе мало кто любит говорить.  Наверное, поэтому так страшно встретится с самим собой в одиночку в темном зале.

Маргарита Калинина
 
 

На фото: корреспонденты СЕТИ РУ на пресс-конференции «SOLO»


 Марина Влади и Владимир Высоцкий

- Владимир, или прерванный полет -
история любви

Пресс-конференция с участием французской актрисы М.Влади прошла в Москве в Центре им. Мейерхольда. 

Марина Влади привезла в Москву свой спектакль о Владимире Высоцком. Она приехала в Москву только ради этого спектакля вместе со старшим сыном Игорем.

Фото ФОТО АЛЕКСАНДРА БАСАЛАЕВА/ГАЗЕТА 
07 февраля 2009/


 

Внимание: премьера! 

В театре оперетты объявился Монте-Кристо

В театре “Московская Оперетта” премьера осени 2008  – мюзикл “Монте-Кристо” на либретто Юлия Кима и музыку Романа Игнатьева.  Никогда ранее роман Александра Дюма не ставился в жанре музыкальной пьесы. Алина Чевик, режиссер проекта,  решилась на это первой. История любви, жестокого предательства и изощренной мести получилась по-лубочному простой. Злодеи наказаны, мученики вознаграждены. 

 Премьера перед премьерой!  Первый показ на публику. Уже на подходе к театру в воздухе витала праздничная суета. В толпе мелькали охапки молочно-белых и алых роз. На лицах дам играли довольные улыбки. У окошечка  администрации толпился народ, ожидающий заветных контрамарок. 

     В фойе театра нетерпение публики дошло почти до предела, но прозвучал долгожданный первый звонок. По правде сказать, я его так и не услышала: зачиталась программкой,  которая, кстати, нигде не продавалась. Ее выдавали при входе и только журналистам. Театралы же вынуждены были довольствоваться рекламными плакатами, где имена актеров были напечатаны таким мелким шрифтом,  что для людей с плохим зрением они остались неизвестны.

     Был полный аншлаг. Видимо, поэтому вместо партера в своем билете я обнаружила боковую ложу с романтическим названием “бенуа” .  Мюзикл наконец-то начался. 

 Один миг – и на сцене появилась веселая, танцующая толпа во главе  с Бошаном (Владислав Кирюхин) в облегающем красном трико. Его лицо скрывала маска, сверкающая стразами.  Маскарад был в полном разгаре, когда  Бертуччо (Александр Голубев), похожий на восточного торговца, решил рассказать  историю графа Монте-Кристо.

  Первый акт был посвящен тому, как Эдмон Дантес (Игорь Балалаев) стал узником замка Иф, а заодно и обладателем несметных сокровищ. Вячеслав Окунев, автор всех декораций, вывел на сцену целую парусную эскадру. На ее фоне молодой Дантес объяснялся в любви красавице Мерседес (Валерия Ланская). Одновременно вокруг них прыгали, кувыркались крепкие морячки, что смотрелось вполне органично и современно. При этом какой-то неземной, прозрачный свет озарял все пространство сцены.  Стоит отметить, что постановщикам мюзикла удалось  избежать нафталинной театральности, присущим многим  костюмированным спектаклям. 
   Когда Дантеса арестовали, сцена погрузилась во тьму, лишь только замок Иф подсвечивался софитами. Воображение мое разыгралось, так как замок напоминал собор Нотрдам Де Пари. Конструкция темницы походила на строительные леса вдоль домов, чьи фасады нуждаются в реставрации  или покраске. Только вместо рабочих по импровизированным коридорам бегала тюремная стража. Узники томились на последнем этаже, в камерах-клетках. 

   Декораторский прием, увы, не новый, но весьма наглядный и символичный. Беда была в том, что сама конструкция замка Иф была слишком далеко от края сцены и   зрителей, так что лиц артистов и их страданий мы не увидели. А так хотелось увидеть поближе Аббата Фариа,  трагичную партию которого исполнил Вячеслав Шляхтов, и почти обезумевшего от горя Дантеса.  Простой текст песен,  музыка стали помощниками  в этом излишне  затянутом, темном действии во всех смыслах этого слова. 

   Второй акт оказался богат на приятные неожиданности - новых персонажей. Это, конечно, Валентина (Анна Гученкова) и Альбер (Александр Постоленко).  Этим влюбленным друг в друга детям Вильфора и Фернана грехи отцов не стали помехой счастью. Они спели  “Я всегда иду к тебе”– в мюзикле именно эта песня самая запоминающаяся и  хитовая. 

        Костюмы  Анны  и  Александра  (серебристое платье и  белоснежный стильный костюм) символизировали веру в доброту человеческих отношений. Они сильно контрастировали с хмурым образом Монте-Кристо в черном плаще до пят. Граф перемещался по сцене как голодный ворон, который ищет добычу. После двойного самоубийства предателей его жажда мести была удовлетворена. 

 Пробирающей до мурашек сценой стал номер “Похоронили сына заживо” про незаконнорожденного Бенедетто, которая сменилась забавной “Папа, мама, у меня на сердце рана”. Ее исполнил Андрей Александрин.  Самые большие овации достались именно ему, благодаря  десанту поклонниц в зале.

   У мужчин больший интерес вызвал пластичный танец принцессы Гайде (Карина Асирян). Одним словом, второстепенные герои получились более живыми и настоящими, поэтому и запомнились больше главных. 

 Мюзикл закончился стандартными овациями, но душа наизнанку так и не вывернулась.

“Монте-Кристо” справился с возложенной на него задачей, так как мюзикл в первую очередь должен развлекать. В нашем суровом мире, люди все больше хотят сказки, поучительной истории, где добро побеждает зло. Не желают сами себе задавать неудобные вопросы, а хотят праздника. 
 
 

Светлана Судоплатова, редактор дирекции креативного планирования и интернет-вещания «1 канала», специально для СЕТИ РУ


Межвузовский конкурс

 студенческих  режиссёрских работ

РЕПОРТАЖ С ФЕСТИВАЛЯ 

Текст: Светлана Булашова

Фото: Татьяна  Ефименко 

Надо сказать, наша журналистская команда в этот раз попала на весьма интересное мероприятие - мы судили 
Межвузовский конкурс самостоятельных студенческих  режиссерских работ, организованный
Театральным институтом им. Бориса Щукина.

В целом, от конкурса осталось очень благоприятное впечатление...
На фестиваль съехались студенты театральных вузов России, Украины, Казахстана, Италии. Сегодня, когда прошло  время, а театральные картинки  ярко высвечиваются в памяти, очевидно, что  студенты-режиссеры и студенты-актеры старались не зря. Кое-что  в их работах  зацепило и нас опытных журналистов.

ПОРАДОВАЛО:
Скорее всего искренность... Молодые одухотворенные лица, которые не встретишь в метро...
Попытки театральным языком сказать о сложном - например, о желании или нежелании жить...
Острота  тем и прелесть находок в предметных композициях и статичных мизансценах.

В  номинации - эпизоды - в выигрыше оказались те, кто выбрал хороший литературный материал. 
Поэтому 1-е место журналисты присудили  студентам 3 курса  РАТИ (ГИТИС) - мастерская  Л.Е.Хейфеца. 


"Милая Шура" (из ранних произведений Татьяны Толстой)  стала очевидным  призером конкурса. Хороший сюжет, милые шуточки, режиссерские находки - действие происходит в шкафу и на шкафу... Действительно, лучшая работа.
 

Еще одна прелестная театральная вещица порадовала журналистское жюри:

"Месяц в деревне" Ивана Тургенева. Есть вещи нетленные и беспроигрышные - 2-е место по решению СМИ заслуженно получили студенты 4-го курса РАТИ (ГИТИС) Мастерская М.А. Захарова.

Законное  3-е место взяли студенты из Казахстана с  2-го курса КНАИ за "Кочевников" -  играли напористо и ярко,  на родном языке, но  политики в том не усматривалось - все было органично, а главное - свежо и напористо. 
 

НЕ ПОРАДОВАЛО:
Выбор репертуара. Для коротких эпизодов надо брать вещи яркие, написанные хорошим языком.

Многие вещи показались чересчур затянутыми.
Не хватало смешного и неожиданного. 
Местами режиссура вообще отсутствовала.

Братья украинцы показали модную работу "4.48 Психоз" - автор Сара Кейн. Увы,  без политики не обошлось: самоубийство героини происходило на украинском языке, в зал летели ругательства и таблетки... И в общем-то, понятный язык, был не понятен. Душе хотелось тонкого и проникновенного, а было, как в жизни, грубо и с надрывом... 
Жюри СМИ -  дали этому эпизоду еще одно 3-е место.
.

ПОРАДОВАЛО В ЦЕЛОМ: 
Творческая мысль не стоит на месте.
Творческий потенциал неиссякаем.
Находятся материальные средства для проведения театральных фестивалей. 
 

"Милая Шура" - призер фестиваля от СМИ
Лучшая женская роль.
 
 

1 место. Предметная композиция "Поражение"
 

Сон самурая - лучшая мужская роль

Подписание дипломов членами жюри

Жюри СМИ фестиваля
Режиссерские дебюты:

Председатель жюри СМИ: 
Троицкий Николай - обозреватель Издательского дома "Секрет фирмы".

Члены жюри:

1. Мурзина Марина - театральный критик еженедельника "Аргументы и Факты"

2.    Булашова  Светлана - руководитель проекта
Школы практической журналистики -
Корреспондентские сети. ру http://www.cety.ru/

3.   Белая Маргарита - театральный критик, журнал Созвездие, зав. литчастью театра Апарте.

4.   Тюрина Елена - литературовед, Институт Мировой литературы им. Горького РАН

5.   Ядуха Виктор - обозреватель издания "RBK Daily"

6.    Лобанова Ольга - телевизионный критик, обозреватель "Новая Неделя"

7.    Соколянский Александр - театральный критик, обозреватель "Время Новостей" 

8.    Черменская Галина - телевизионный критик, редактор 
"7 Дней"

9.  Никольская Алиса  - театральный критик, обозреватель интернетиздания "Взгляд".

10. Лабанов Сергей - сценарист, директор кинокомпании "Генезис".


 

Жить иль не жить?

По правилам иль нет…


Жить как все или стать белой вороной?..    Впрочем, а как живут все? Режиссер Александр Назаров и актриса РАМТа Нелли Уварова попытались ответить  на этот вопрос в спектакле по пьесе Ж-Л Лагарса «Правила поведения в современном обществе». 

Спектакль начинается с той секунды, когда зритель входит в зал. Главный и единственный персонаж – Лектор (она же Нелли Уварова), сидит за странного вида партой и оглядывает входящих пронзительным взглядом. Это пугает и одновременно завораживает. 
«Когда ребенок рождается мертвым…» - так начинается спектакль, а далее полтора часа идет рассказ о том, как, по мнению Лектора, следует жить любому добропорядочному человеку. Первым делом родившегося регистрируют в мэрии, и в дальнейшем вся его жизнь будет состоять из бесконечных свидетельств  - по случаю окончании школы, свадьбы, смерти… Жизнь начинается с регистрации в мэрии и ею же заканчивается.

Правда, основная тема спектакля  все-таки многозначна: 
а/ деньги, 
б/ нормы общественного поведения 
в/ смерть (без этого факта никуда!) 
На этих трех китах и разыгрывается жизнь на сцене. Понятно, что без денег невозможно соблюсти ни одного правила. Крестины, помолвки, свадьбы – все это требует расходов. Ну и, разумеется, любой из нас – родитель, супруг, отец – в любой момент может умереть, и этот момент также следует благоразумно запланировать.

А ВОТ НУЖНО ЛИ СОБЛЮДАТЬ НОРМЫ ОБЩЕСТВЕННОГО ПОВЕДЕНИЯ?

Конкретного ответа нет – Лектор перевоплощается по ходу действия в друга жениха, невесту, жену, вдову, пока не становится снова Лектором в школьной форме. Личность размыта, поэтому от отождествления с собой не уйти.
В какой-то момент смущенно понимаешь – а ведь там, на сцене, вся абсурдность твоей жизни. Вся она, по сути, определена до тебя, и судьба принесена  в жертву общественному мнению    и размеру зарплаты. Неужели в этом смысл жизни? А с другой стороны – нужно ли бессмысленно бунтовать против любых правил? Ведь без элементарных законов жизнь вряд ли возможна. 

Ответов  никто не дает, но здесь важны не они, а то, что Нелли Уварова в своем спектакле заставила кого-то из зрителей впервые задуматься об этом.
Финал пьесы «оптимистичен»: Лектор сообщает, что  хотя ты умер, жизнь продолжается. Родные могут веселиться и заводить новые семьи, рожать новых детей. «Их, кстати, тоже нужно будет зарегистрировать… В мэрии», - заканчивает Лектор и уходит, оставляя сцену, засыпанную вещами мифического покойника.
Больно осознавать, что после смерти от тебя останется лишь гора предметов. Зато  это знание дает смелость наполнить свою жизнь чем-то еще, кроме забот о правилах поведения. 

Нелли Уварова создала на сцене атмосферу горькой иронии, которая выворачивает наизнанку всякий «здравый» смысл. Любая точка зрения – и консерватора, и бунтаря – кажется и нелепой, и правильной одновременно.
Нелли Уварова каждый раз играет этот спектакль, как последний раз. Добавляет в него  особое настроение, поэтому он всегда смотрится по-новому. Она получила за эту роль множество призов, ездит с ним по фестивалям и надеется играть его всю жизнь.
А зритель имеет возможность посмотреть на себя со стороны и найти свой ответ «быть иль не быть».

Маргарита Калинина, кор СЕТИ РУ
 


Честный ревизор


Казалось бы, ну чего мы не знаем о знаменитом «Ревизоре»?! Фабула и персонажи до боли знакомы. Но почему мы не замечаем, как пролетают четыре часа, и почему нам каждую минуту кажется, что произойдет что-то новое? Для себя я так ответила на эти вопросы.

Во-первых,  сюжет остается актуальным и в наши дни! Ах, знал ли почтенный Гоголь, что нас будут занимать все те же проблемы, что и двести лет назад! Любовь и политика неизменно будоражат наши умы.

Во-вторых, актеры. В данном случае даже мало говорить о превосходной игре. На сцене были реальные персонажи. Не надо быть театральным критиком, чтобы прочувствовать это. Выходит на сцену первый персонаж – все, жизнь началась! Реальная жизнь уездного города. И ты уже не зритель, а настоящий участник абсурдных событий.

Мне нравится сцена театра «АпАРТе»: городничий ходит прямо рядом с тобой своим размеренным шагом, Хлестаков мечется по комнате, чуть не наступая на ноги. Того и гляди, подойдет и спросит что-нибудь. Все рядом, все близко. 

Одним из главных открытий стало для меня прочтение образа Анны Андреевны. Глаза жены городничего бьют прямо в сердце не только Хлестакова! Юлия Голубева проживает четыре часа со мной: плачет красными глазами над шкатулкой своей молодости, лихорадочно вздрагивает в обществе Хлестакова, показывает ту настоящую любовь, которая обречена называться мимолетной! И за это пронзительное чувство ей глубочайшее женское спасибо. Бывает такое впечатление, что трудно подобрать слова – вот это как раз тот самый случай. Романтическая сцена Хлестакова и жены городничего – это правда.  Пусть правда на пять минут, но в нее верят все. Главное, верят те, кто воплощает бессмертные образы.
Сложно сказать, был ли великолепен Гоголь, был ли великолепен режиссер спектакля, были ли великолепны актеры, но вкупе все это дает новый ритм жизни, динамичной и приправленный эмоциями вокруг знакомого сюжета.

Я влюбилась в Ивана Косичкина! И сложно не влюбиться! Бешеными глазами Хлестакова он смотрит на мир.

В роли ревизора  - Иван Косичкин

То, о чем говорит он, есть в каждом из нас. Самая превосходная ложь – это ложь, в которую верит сам лгущий! И самое правдивое во всей этой истории – сам Хлестаков. Разве можно назвать ложью то, чем живет человек, что пропускает через себя со всей искренностью? Только истинный романтик способен кинуться в пучину собственных фантазий и воплотить эти фантазии в жизни с такой достоверностью, чтобы никто не мог усомниться в их подлинности. Хлестаков – поэт, который не может отличить мир фантазии от мира реальности, и в этом его притягательность, и в этом его правдивость. Несмотря на очевидную сатирическую  окраску персонажа, зритель любит его и сочувствует. Он становится нам родным, потому что родное – это мы сами, боящиеся высказать свои сокровенные желания. 

В-третьих, из моего зрительского наблюдения, театр сейчас переживает очень интересный период, сродни всему искусству: старые идеи облачаются в новые образы, не теряя своей первоначальной концепции. В «Ревизоре» это выразилось в костюмах персонажей. Самое правильное решение в дизайне – это модерн, приукрашенный давностью. Дабы резко не отрывать зрителя от стиля былых времен, в декорациях и в представлениях персонажей умело и со вкусом сочетается современность и архаичность, как бы напоминая нам о нашей истории, но, в то же время, визуально не отрывая нас от нашего времени. Не облачая героев в костюмы своей эпохи, автор говорит нам о том, что сюжет актуален в любые десятилетия, и максимально с помощью этого художественного средства дает нам понять, что все современно для любого поколения.

Как я ни старалась своим критическим умом выявить изъяны в этом действе – не нашла ни единого. Ни в чем! Бобчинский и Добчинский – это верх творчества, это верх юмора. Все актеры театра как будто созданы воплотить «Ревизора» в жизнь. Они играют с полной отдачей, и это увидит самый придирчивый зритель. 

Ревизор в прочтении АпАРТе – это смысл, это наша настоящая жизнь. Я хочу, чтобы такой театр был. Чтобы оживали давние образы, чтобы не давили на зрителя своей нравственностью, а оставляли эффект недосказанности в самых известных постановках, чтобы было так, как оно есть каждый день. Чтобы, уходя со зрительского места, уносил с собой ощущение реальной жизни, а не кратковременного вымысла. Это ощущение жизни дарит нам «Ревизор».
 

Наталья Глумнушина, кор. СЕТИ РУ



 

Любовь, как божественная благодать

На днях наша коллега Маргарита Белая – журналист и искусствовед, а также  заведующая литературной частью театра АпАРТЕ – грандиозно выступила в Санкт-Петербурге. Вместе с режиссером театра Гарольдом  Стрелковым они стали авторами  инсценировки спектакля «Испанская баллада» по роману Лиона Фейхтвангера.
Премьера прошла в государственном академическом Театре имени Ленсовета при полном аншлаге, при громе аплодисментов, которые не кончались...

Слово Маргарите Белой:

- Самое замечательное высказывание о режиссере мне довелось однажды услышать из уст Льва Дурова: "Если ты когда-то попробовал ананас, то никто тебя не убедит, что репа — экзотический фрукт". Да, режиссер — штучная профессия, и ананасы в ней и правда наперечет. Тем больше смысла радоваться каждому. Я очень уважаю Гарольда Стрелкова и его театр — умный, тонкий, изысканный, без заигрываний с шоу-бизнесом, без лишнего пафоса и занудства. Мы много раз работали вместе над его инсценировками классики. 

Когда Гарольд предложил мне подумать над идеей постановки в Театре Ленсовета, столь именитом и прославленном, я очень разволновалась и думала целый месяц. Составила список произведений, которые мне нравятся, каждый день дополняла его, и все-таки внутреннее ощущение, что есть точное попадание в цель, ощущение, так замечательно описанное Набоковым, - никак не приходило. 
Наконец, однажды ночью меня осенило. Я вспомнила роман, прочитанный лет эдак в 16, - «Испанскую балладу» Лиона Фейхтвангера, великий роман о любви. Конечно, в юности  богатейшая историческая фактура романа и его философия, Реконкиста с ее интригами и битвами, столкновением культур и религий, - остались для меня во многом непонятными и как бы «за кадром», но история этой любви – невероятной, запретной, дерзновенной – запомнилась на всю жизнь как одна из самых пленительных и волнующих страниц всемирной летописи Страсти. Запала, словом, в душу однажды и навсегда.

Сюжет романа, написанного в 1954 году и в наше время незаслуженно забытого, писатель взял из древней испанской хроники. Средние века, эпоха кровавых войн. Христианский король Кастилии Альфонсо, величайшее счастье для которого, как думает он сам, -  ринуться в сражение и омыться в крови врагов, неожиданно для себя и для всей страны влюбляется в юную еврейку Ракель и - обретает совсем иное, истинно человеческое счастье… 
И, вместо того чтобы отправиться в разрушительный крестовый поход, дарит своей стране семь благодатных мирных лет.
Его любовь ждет трагический финал. Но душа  короля, ставшая средоточием вселенской скорби, уже никогда не станет прежней – равнодушной и пустой…

Работать с таким потрясающим материалом было истинным наслаждением. Теперь, побывав на премьере, отволновавшись и отдрожав за каждое слово, могу сказать, что спектакль получился мощным, страстным, с высоким градусом эмоций.
Конечно же, он тоже о любви. О том, что Любовь, как божественная благодать, осеняет лишь избранные сердца. О том, что именно «для любви дана  человеку жизнь, и  не в великой бранной славе таится ее смысл». Эти слова произносит в спектакле самая искренняя, цельная и внутренне свободная героиня – Ракель, сумевшая ради любви отринуть все условности и запреты, что с таким старанием, достойным лучшего применения, громоздит человечество на пути великого и подлинного чувства. За эту сцену, в которой Ракель рассказывает королю, пока еще равнодушному к ней, упивающемуся самолюбованием и властью, древнюю легенду о рыцаре, умершем от любви, - я особенно волновалась, потому что написала текст легенды сама, на основе кельтской и балтийской эпической традиции. Когда прелестная юная актриса Лаура Лаури произносила этот текст, в зале стояла невероятная, неземная тишина…

Другому персонажу - возможно, alter ego самого Фейхтвангера, целителю и философу Мусе, одинаково почитающему  великих пророков всех религий и верящему в кадар, суть которого в признании свободной воли человека и его ответственности за свои поступки – принадлежат в спектакле слова не менее важные: "Ради мира можно пожертвовать даже истиной". Фейхтвангер, убежденный антифашист ненавидевший войну и расовую нетерпимость, обратился к древнему сюжету, чтобы, как он говорил, «правдивее передать собственное мироощущение и собственную эпоху». Нашу эпоху. Со дня смерти писателя прошло ровно 50 лет. Но разве ксенофобия, агрессивность, разномастный фанатизм, угрожающие всему тому, ради чего действительно стоит жить, - не наши проблемы? Разве беснующаяся средневековая чернь так уж отличается от остервенелой нынешней толпы, в припадках низменной ярости громящей современные города?

В спектакле Стрелкова толпу, угодливую и беспощадную, впечатляюще играют очень молодые актеры. Играют темную сторону души народа, к которой так охотно апеллируют власть предержащие в угоду своим грязным целям. Но есть и другая сторона этой души. В ней – стремление к свободе, в ней – сострадание, толерантность, способность к признанию красоты и правды – пусть даже непонятной и чужой. На сцене душу народа во всей ее полноте, со стремлением увидеть в себе то, что есть, а не то, что из тебя пытаются сделать другие, блистательно воплощают музыканты: гитарист Иван Антонов (автор музыки к спектаклю), его группа и великолепная певица Виктория Рябинина. Их музыка –чувственная и яростная, нежная и страстная музыка фламенко превращает спектакль в истинную балладу – народный лиро-эпический жанр, трагический и таинственный диалог с судьбой, прозревающий и прошедшее, и настоящее, и будущее время.
 


Станислав Лем теперь 

и в театре АпАРТе


 Спектакль «Solaris. Дознание» - сценическая версия научно-фантастического романа известного польского писателя Станислава Лема. Произведение это было уже неоднократно срежиссировано и сыграно — несколько лет назад в Голливуде, с участием мировых звезд, а задолго до этого  — легендарным советским режиссером Андреем Тарковским. Теперь за эту задачу взялись в Московском драматическом театре «АпАРТе». 

  Итак, действие разворачивается в космосе. Точнее, на исследовательской станции «Солярис». Планета Солярис была открыта больше полувека назад. Она вращается вокруг двух солнц- красного и голубого. В течение долгого времени к ней не приближался ни один космический корабль, так как  теория о невозможности возникновения жизни на планетах двойных звезд считалась аксиомой. И только спустя некоторое время планета перешла в ранг небесных тел, заслуживающих особого внимания, и начались ее исследования. 

 Планета Солярис почти полностью покрыта Океаном, который и стал в итоге предметом спора ученых, входящих в состав экспедиции. А все потому, что многие считали его неким образованием, способным к целенаправленным действиям. Собственно говоря, этот недоказуемый факт и стал центральным моментом данной постановки. 

 Обратный отсчет. 3, 2, 1… На станцию прибывает исследователь-психолог Крис (Антон Фигуровский). К тому времени инициатор эксперимента Гибарян совершил самоубийство, а кибернетик Сарториус (Дмитрий Дежин) и физик Снаут (Андрей Любимов) пытаются найти выход из сложившейся ситуации- кто активно, а кто не очень.  Океан Соляриса решил им отомстить за вмешательство на свою территорию, воспользовавшись одним из слабых мест человека - его подсознанием. Под определенным воздействием  он проявляет активность и проникает в их умы, вытаскивая наружу спрятанные глубоко чувство вины, угрызения совести, тайные желания, одним словом, все то, что, согласно учению Фрейда, сознание человека решило забыть, спрятав в глубины памяти. Находящиеся на станции ученые очень происходящим недовольны оценивая отрицательно действия Океана. А может быть, целью Океана Соляриса был все-таки подарок человечеству?

  В замкнутом пространстве к главному герою,  Крису, является материализованное угрызение совести в виде Хари (Анастасия Зыкова), его бывшей подруги, покончившей с собой на Земле по его вине.  В очередной раз он пытается избавиться от нее, но безуспешно. После ее повторного появления, у него возникает чувство раскаяния и, как ему кажется, любви к ней. Выражаясь разоблачающими словами Снаута, Крис хочет поступить по-человечески в нечеловеческих условиях. Причем у героини похожая ситуация: вокруг космос, иной мир, и сама она всего лишь результат действий некой субстанции, но чувства и любовные переживания у нее вполне земные и понятные. 

  Проблемы, затронутые в спектакле, очень актуальны в наше время высоких технологий. По сути, речь идет о человеке, который направляется покорять иные миры, не изучив до конца свою душу. Ученые пытаются объяснить необъяснимое теоремами и законами, действующими на Земле. И, столкнувшись в космосе с формой бытия, которая не является ни человеком, ни чем-нибудь живым,  они оказываются обезоружены и бессильны в своих знаниях. Режиссер, погрузившись в реалии происходящего в космосе, вывел истину: направляясь туда, человек не ищет иные миры, он даже не готов ко встрече с ними. Скорее, он ищет свое собственное отображение и то, что может подогнать под банальность своего бытия. 

  Технические подробности: математические формулы и задачи, а их в спектакле достаточное количество, нисколько не утомляют зрителя, а наоборот, подчеркивают реальность космического пространства. Этой же цели служат и декорации, разбросанные и развешанные по всей сцене. Речь идет о газетах и журналах с анонсами последних научных открытий, разная техника и аппаратура. Но больше всего передает атмосферу космоса оригинальная идея - «целлофановые шторы», разделяющие зрителя от Соляриса и погружающие его на корабль при их раздвижении. 

  Молодые актеры существуют в предлагаемых внеземных обстоятельствах вполне органично и достоверно. Философские размышления и разговоры на темы не сиюминутные ведутся без излишней сентиментальности и пафоса. А серьезность происходящего ничуть не исключает иронии. И, что немаловажно, в их исполнении присутствует искренность – они действительно сумели понять, прочувствовать и пронести через себя переживания героев Станислава Лема. 

  В одном из своих последних интервью Станислав Лем признался в том, что голливудский фильм он не смотрел и даже не желал этого. К экранизации Тарковского он относился недоверительно и многим в ней остался недоволен. Интересно, а что бы он сказал, увидев постановку в театре ««АпАРТе»? 

 Анна Мелкумян, кор. СЕТИ РУ
Ее публикации о спектакле читайте на сайтах:
http://www.kino-teatr.ru/teatr/art/teatr/395/
http://theatre.gogol.ru/works/_SOLARIS._Дознание_/_____nbsp;Спектакль
http://www.rus-news.ru/


Май-июнь 2006г
Театральный институт им. Бориса Щукина 
стал организатором X-го юбилейного 
Международного  фестиваля театральных школ 
«Подиум-2006».
 

Елена Бриммер

Пресс-секретарь фестиваля «Подиум-2006»
(корреспондент Школы журналистики)

На театральном фестивале «Подиум-2006»

Без Табакова и Фрейда  не обошлось 

равно как без сосисек и пива

В этом мае театральный мир Москвы взбудоражило  замечательное событие – международный театральный фестиваль. Волею судеб я стала пресс-секретарем этого фестиваля и посему имела возможность наблюдать происходящее изнутри.


Немного о фестивале:
«Подиум-2006» -  стал десятым, а значит, юбилейным международным фестивалем театральных школ. И если раньше его организатором был ГИТИС (нынешний РАТИ), то в этом году это право выигралТеатральный институт имени Бориса Щукина. Смысл фестиваля в том, что из разных уголков страны и мира в целом в нашу столицу приезжают ведущие театральные школы, чтобы представить свои лучшие спектакли на суд зрителя. Всего 24 театральные школы. Фестиваль проходил с 25 по 31 мая  на театральных площадках, начинался, как полагается, с официального открытия, а под конец было сразу два закрытия – официальное и не очень. Помимо спектаклей была еще и образовательная программа – посещение Малого театра (экскурсию вел, между прочим сам Юрий Соломин!) и  МХАТа, а также несколько мастер-классов от известных профессоров-педагогов. 

Итак, день первый.
Приезд нескольких школ, отданных на поручение студентам ГИТИСа. В их обязанности входило проследить за размещением участников в гостиницах, за их полноценным питанием, за веселым времяпровождением в городе Москва, ну а также провожать на вышеупомянутые образовательные программы и непосредственно на площадки, где будут выступать они или их коллеги.  День первый закончился удачным приездом и не очень удачным размещением. Через час после расселения в гостинице, кто-то позвонил и сказал, что она заминирована…Возникла зловещая пауза. Поговаривали об отмене церемонии Открытия. Но все обошлось. Просто чья-то шалость. Жаль только, что ко всему прочему, в гостинице не оказалось горячей воды…

Официальное открытие
которое несмотря ни на что состоялось, проходило в  Доме актера, что на Старом Арбате. Журналисты, участники, организаторы – все смешались в одном сплошном потоке. Радость на лицах. Все очень официально. Сувениры (замечательная сумка с логотипом Подиума, ручка, бейджик, буклет, значок) –  участникам и журналистам у входа. На сцене Маргарита Александровна Эскина (директор Дома Актера, входит в ОРГкомитет фестиваля) и Александр Александрович Калягин (не думаю, что этому человеку нужно какое-то особое представление).  Помимо приветствий и общих слов радости открытия Калягин бросил странную фразу: в актере главное не мастерство… А что же?! Это осталось для впавших в раздумье студентов неизвестным. 

Ну а потом – небольшие сценки-представления от участников: 
от ритмичных, акробатичных номеров (к примеру, Ярославский государственный институт) и национальных песен (Казахская национальная школа) – до мини-спектаклей (Школа из Гамбурга). Приятным стало появление Олега Павловича Табакова. Он произнес несколько душевных пожеланий будущим актерам. 
Закончилось все  вином, бутербродами, пиццей и  дискотекой.

День второй слился с несколькими последующими днями в одно единое целое.
Спектакли в самом разгаре. Посетителей много. Любознательный зритель не знал, что именно выбрать – на какой спектакль пойти. Шесть - семь спектаклей в день на разных сценах почти в одно и то же время – выбор сложный. Приходилось чем-то жертвовать. Кто-то оставался доволен, кто–то жалел о том, что попал «не туда». Только журналисты умудрялись побывать на нескольких спектаклях сразу.

30 мая на площадках Москвы все еще шли спектакли, но весь ажиотаж сместился в сторону «Щуки» - здесь давали «Метаморфозы», И это надо было видеть!  Именно сюда съехалась большая часть публики, желающая посмотреть за преобразованием вещей в руках актеров. После удивительных «превращений» все вышли во двор института – а там еще одна «метаморфоза»: сосиски, пиво, пицца, минералка – все, что нужно, чтобы отдохнуть от бешеного фестивального марафона. Там же сцена, недолго пустовавшая… Яркий концерт от «Хороньков» плавно перетек в дискотеку от Макса Любимова. В какой-то степени жаль, что вечеринка у «Щуки» не стала официальным закрытием, тогда бы не осталось такой грусти оттого, что все закончилось. 
День последний – он же 31 мая.
Большинство школ разъехалось – учеба и экзамены не ждут. Остался лишь видео-сюжет о фестивале. Он навевал ностальгию о прошедших днях. Несколько шуток и реприз от ведущего да небольшие капустники от оставшихся в Москве участников, теплые речи от ректоров институтов. Под занавес – шампанское, закуски и огромный торт.
И все же… Что главное? Каков итог? Утверждение, что наш театр переживает упадок, будущим артистам не дают возможности развернуться, к ним перестают проявлять должный интерес, похоже, устаревает. Фестиваль показал – посмотреть есть на что и на кого! Разнообразие студенческих спектаклей поражало. Много спектаклей, посвященных классическим произведениям русской литературы -  Островскому, Горькому, Булгакову… Неповторимые музыкально-движенческие постановки: мюзикл от Екатеринбургского института,  «Урок в стиле джаза» от питерцев, пластика от щукинцев.   Самым необычным, пожалуй, стало появление на фестивале студентов Государственного специализированного института (в нем обучаются люди с речевыми и слуховыми проблемами), который представил спектакль «Прикосновение» по Маркесу, а самым откровенным – «Карусель по господину Фрейду»  Ярославского театрального института. 
Так что фестиваль прошел. Да здравствует грядущий! Через два года  он повторится.

Елена Бриммер
 
 
 
 

Финал фестиваля - удивительно талантливый спектакль
Театрального института им. Бориса Щукина "Метаморфозы"




 

главнаяновости учебы  /  творческая мастерская / преподаватели и мастер-классы/
обучение отклики / диплом  / тусовка / наши интервью / работы учеников 
новые ученики / нас приглашают / зона отдыха 
учебная газета